José Aguiar. El orden frente a lo nuevo aborda las tensiones que atraviesan la trayectoria del artista —entre tradición y renovación, academicismo e innovación, experiencia personal e identidad colectiva— para examinar qué papel desempeñaron el arte, las instituciones y el contexto político de su época. La exposición reúne un casi un centenar de piezas: más de cincuenta obras procedentes de préstamos, una veintena de creaciones pertenecientes a la Colección de TEA, dos producciones específicas de la cineasta Macu Machín y el artista Fernando Sánchez Castillo encargadas para la exposición.

Aunque el núcleo principal de esta nueva muestra lo componen pinturas de Aguiar, la exhibición también incluye a autores como Pedro de Guezala, Carlos Chevilly y Álvaro Fariña; que estuvieron próximos al artista gomero; planos del Palacio insular y la Basílica de Candelaria firmados por José Enrique Marrero Regalado, con quien colaboró habitualmente. Asimismo, la propuesta suma obras de creadores como Willi Baumeister, Joaquín Torres García, Óscar Domínguez, Hans Tombrock, Norah Borges, Servando del Pilar, Luis Ortiz Rosales, y Eduardo Westerdahl, representando las corrientes que defendía el proyecto de vanguardia Gaceta de arte con quien Aguiar polemizó en los años 30. A estas se añaden obras de los artistas del grupo El Paso, Martín Chrino, Luis Feito, Juana Francés, y Manolo Millares, una generación más joven y contra la que parece dirigir su discurso de entrada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por su abandono de la figuración.

Entre los prestadores de la muestra figuran instituciones como la Diputación Foral de Bizkaia, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, MUBEA Gran Canaria Museo de Bellas Artes, el Gabinete Literario de Gran Canaria, Loro Parque S.A., el Real Casino de Santa Cruz de Tenerife, el Gobierno de Canarias, LM Arte Colección, el Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, el Colegio Oficial de Arquitectos de Tenerife, La Gomera y El Hierro, el Cabildo Insular de Tenerife, el Estudio Benítez, Filmoteca Canaria y diversas colecciones particulares de Tenerife.

La obra de Aguiar se desenvolvió en diálogo y tensión con las transformaciones de la pintura europea. Su conocido enfrentamiento con Eduardo Westerdahl y el entorno de la revista Gaceta de Arte lo situó de lleno en el debate entre tradición y vanguardia. Aunque incorporó algunos recursos de la modernidad, el creador mantuvo siempre una defensa firme de la figuración y de la representación tradicional. Vinculado a Falange Española desde 1934, participó durante la Guerra Civil en la construcción de la imagen del nuevo poder y, en la posguerra, recibió numerosos encargos oficiales. Sus grandes composiciones figurativas, alegóricas y monumentales encajaron en los programas artísticos de la dictadura. Sin embargo, su trayectoria vital y artística estuvo marcada por la complejidad: su pertenencia a la masonería —iniciada en 1930 y abandonada antes de la contienda— derivó en un proceso en su contra ante el Tribunal Especial para la Represión de la Masonería y el Comunismo.

La pintura mural cobró un protagonismo central en su producción, si bien la monumentalidad ya estaba presente antes de 1936. Desde Friso isleño (1934) hasta los emblemáticos murales del Palacio del Cabildo Insular de Tenerife y de la Basílica de Candelaria, sus grandes creaciones articularon elementos que unían representaciones del trabajo, el paisaje, el mar, la religión y las tradiciones para conformar una noción singular de la identidad canaria. [Cabildo de Tenerife]

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García, quien reinventa, recicla y reutiliza bicicletas para convertirlas en obras de arte que se pueden montar y pedalear, reúne en esta singular exposición que podrá visitarse hasta el 15 de noviembre, casi 30 obras artísticas entre bicicletas y murales inspiradas en míticos personajes de dibujos animados y ciencia ficción.

“Será una exposición que no dejará a nadie indiferente. Habrá tanto obras escultóricas como pinturas que las acompañan y, en muchas de ellas, habrá un guiño canario. Verán muchos personajes conocidos, muchos de los cuales se han instalado en Canarias”, asegura García. El artista busca que la exposición acerque a los visitantes memorias que se encontraban dormidas.

Como novedad el artista aruquense presentará su último proyecto ‘¿Evolución?’, un trabajo basado en los dibujos de Los Picapiedras. Con esta propuesta pretende comparar esa época prehistórica con la actualidad y mostrar de forma figurada esa evolución. La muestra, además, contará también con un mural hecho a mano de casi dos metros de altura del personaje principal, cuyo eje parte de la identidad canaria.

Malos tiempos

García insiste en que ahora está centrado en este proyecto, ya que requiere el 100 % de sus sentidos. A pesar de ello, tiene varios proyectos en mente. Uno de ellos será un dibujo compuesto por diez lienzos. “Creo que es un trabajo que toda persona debería conocer y contemplar, ya que nos hará reflexionar sobre qué dirección queremos llevar”. El título de esta obra será ‘Malos tiempos’ y pretende que el espectador reflexione, al menos por un instante, y pueda reconducir su dirección.

Habrá visitas guiadas los días 20 y 28 de octubre y 4 de noviembre, a las 18:30 horas. Las personas interesadas podrán inscribirse del 5 al 16 de octubre a través del correo bibliotecainsular@gmail.com, especificando el día elegido. La entrada es libre hasta completar aforo.

Sobre Aníbal García

Aníbal García Moreno es un artista aruquense que lleva muchos años residiendo en Teror. Su pasión por el arte y las bicicletas, se unen para crear una impresionante colección realizada de forma artesanal. Cada bici es única y exclusiva, son ejemplos de las diferentes posibilidades que ofrecen la customización y el reciclaje; con trabajos que van desde la mecánica hasta el arte.

En la exposición permanente que tuvo instalada en Teror, “Arte sobre Ruedas”, mostró gran parte de sus obras más recientes. Sin embargo, lleva realizando exposiciones individuales desde 2019, todas ellas relacionadas con el arte, las bicicletas y la fantasía. “Arte sobre ruedas”, “Bicicletas con espíritu” o “Ciencia ficción sobre ruedas” son algunas exposiciones que forman parte de su identidad como artista. Además, ha hecho exposiciones colectivas, ha recibido numerosos premios de customización y ha participado en múltiples eventos destacables. Por otra parte, su trabajo artístico ha sido portada en publicaciones online dedicadas al mundo de la personalización de bicicletas, logrando reconocimiento internacional. [Cabildo de Gran Canaria]

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Valverde, que reside en la capital grancanaria desde 2008, propone un espacio donde imágenes, palabras y silencios se encuentran para transformarse. A través del collage, la poesía visual, el dibujo y la pintura, su muestra individual invita a detener la mirada y recorrer un territorio abierto, donde los fragmentos cotidianos adquieren nuevas conexiones. Más que ofrecer respuestas, cada obra abre un diálogo con quien la observa. En ese tránsito entre mirar y leer, el sentido permanece en movimiento y la experiencia de cada visitante completa la obra.

La artista, que inició su trayectoria artística en Madrid donde colaboró en proyectos vinculados al teatro y la escenografía, experiencias que despertaron su interés por la construcción espacial y narrativa de la imagen, se ha adentrado también en el ámbito del fanzine y la autoedición como espacios de experimentación y libertad creativa. De manera paralela, trabajó de forma cercana con pacientes con problemas de salud mental y, actualmente, ejerce como docente a través de diversas disciplinas artísticas. Esta experiencia le ha permitido desarrollar una comprensión profunda de los procesos emocionales y mentales, lo que ha influido de manera significativa en su enfoque artístico.

Actualmente, desarrolla su trabajo en CeroFanzine, espacio creativo donde participa y colabora en el desarrollo de diversos proyectos artísticos, tanto individuales como colectivos, como ‘Ceropoéticas, Muestra sobre poesía expandida’. Además, desarrolla talleres y colaboraciones formativas, explorando enfoques experimentales en el arte y desde el intercambio creativo.

En ‘Tránsito’ muestra una serie de piezas que se articulan en torno a la exploración del cuerpo, proponiendo al espectador una narrativa que parte de su propia experiencia.

Taller y visita guiada

Valverde dirigirá el día 14 de octubre, de 17:00 a 18:30 horas, en el Centro de Artes Plásticas, el taller denominado ‘De la emoción a la imagen: creación de un poema visual’, en el que propondrá una experiencia creativa a partir de la lectura de un fragmento literario como detonante emocional y empleando el recurso del collage como medio expresivo y herramienta de exploración simbólica. Además, el día 16 de octubre, a las 18:00 horas, la creadora cursará una visita guiada abierta al público en la avanzará las claves de su obra plástica.

Obras que abarcan técnicas como el collage y el dibujo sobre papel con distintos formatos y tamaños, además de objetos, artefactos y libros de artista, en los que Valverde explora, desde la poesía visual y expandida, la intersección entre el pensamiento, el lenguaje y la imagen del cuerpo, prestando especial atención a lo que se genera en este espacio de encuentro.

“Mi práctica artística explora la relación entre imagen, objeto y memoria, y cómo estos elementos dialogan con la experiencia emocional y perceptiva. Me interesa especialmente el momento en que una imagen o un objeto pierde su contexto original y, al desplazarse, adquiere nuevas posibilidades de significado. A través del collage, la pintura, el dibujo y la poesía visual, construyo espacios donde el sentido permanece abierto y en constante transformación”, sostiene Valverde.

“Mi intención es invitar a la observación y crear un diálogo fluido entre la obra y el espectador, sugerir un lugar poético desde el cual reconstruir otros significados e interpretaciones. En las obras que presento para esta exposición, predominan como técnicas, el collage y el dibujo, sobre papel, materiales como imágenes fotográficas extraídas de revistas, así como objetos encontrados o industriales. Trabajar con estos elementos desde la poesía, me permite vincular diferentes significados, bien desde la metáfora reinventando el lenguaje”, concluye la artista maña. [Cabildo de Gran Canaria]

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Con motivo del 15 de octubre, Día Internacional de las Mujeres Rurales, proclamado por la Organización de las Naciones Unidas (ONU), Telde acogerá la exposición Mujeres de la Tierra: Sembrando Memoria en Telde, una iniciativa que nace con el propósito de reconocer y poner en valor el papel fundamental que las mujeres han desempeñado en la historia social, cultural y agrícola del municipio.

La exposición será inaugurada el viernes 2 de octubre, a las 19.00 horas, en la sala de la Iglesia Hospitalaria de San Pedro Mártir, y permanecerá abierta hasta el 15 de octubre.

La propuesta pretende recuperar y mantener viva la memoria de tantas mujeres de Telde que, desde el ámbito rural y familiar, contribuyeron con su esfuerzo, trabajo y dedicación al desarrollo de sus familias, sus barrios y de una tradición agrícola profundamente vinculada a la identidad del municipio.

A través del arte, la creatividad y la palabra, Mujeres de la Tierra: Sembrando Memoria en Telde propone una mirada hacia el pasado para reconocer a aquellas mujeres que sembraron, cuidaron, transmitieron conocimientos y construyeron, muchas veces de manera silenciosa, buena parte del presente que hoy disfrutamos.

La exposición reunirá la obra de 26 artistas participantes: Makita Alonso Benítez, Loli Vega Velázquez, Esther Amador, Pino Jiménez Guedes, Dory Ramírez Ventura, Esther Coco, Fátima Domínguez Martel, Rachel AR, Helena Lorenzo, Isidora Lorenzo Hernández, Inmaculada Hernández Suárez, Luisa Afonso Navarro, Lidia Esther Rivero, Paqui Álvarez Monzón, Lidia Díaz, María Jesús Peña Santana, Maricarmen Martín, Toña Monzón, Alica Torres Pulido, Lou Solares Jiménez, Ángeles Díaz León, Manoli Figueroa Hernández, Elena Déniz Hernández, Nekane Melón, Esther Benítez Benítez y Cosetta Falasco.

La poesía y la palabra como memoria

La palabra tendrá también un protagonismo especial dentro de la propuesta, con la participación de seis mujeres vinculadas a la poesía: Mapi Jerez Cabrera, Conchi Miranda Galván, Inmaculada Betancor, Pino Monzón Padrón, Lou Solares Jiménez y María Almenara. Sus aportaciones contribuirán a enriquecer esta mirada colectiva hacia la memoria, las raíces y el papel de las mujeres en la construcción de la identidad de Telde.

Talleres para crear, compartir y recuperar saberes

El proyecto se completa con una programación de talleres y actividades participativas, concebidos como espacios de encuentro, creación y reflexión en torno a la mujer, la tierra, la memoria y la naturaleza. En ellos participarán Helena Lorenzo, Makita Alonso Benítez, Mapi Jerez, Zenaida Rodríguez, Emma Lemes Pérez, Carmen Domínguez Hernández, Eli Machín Martín, Inmaculada Hernández Suárez y Manoli Figueroa.

Los diferentes talleres permitirán acercarse a disciplinas y experiencias relacionadas con la creatividad, la artesanía, la naturaleza, el bienestar y la recuperación de saberes vinculados a las mujeres y al mundo rural.

Gaura Folk acompañará la inauguración

El acto inaugural contará además con la participación del grupo teldense Gaura Folk, que ofrecerá una selección de temas relacionados con las vivencias de las mujeres de antaño, a través de canciones y piezas recuperadas por los propios componentes del grupo. Su participación contribuirá a recuperar también la memoria musical y cultural de las mujeres y de la sociedad tradicional de Telde.

Mujeres de la Tierra: Sembrando Memoria en Telde se plantea así como un homenaje colectivo a las mujeres que trabajaron la tierra, cuidaron de sus familias, transmitieron conocimientos y mantuvieron vivas nuestras tradiciones, al tiempo que invita a las nuevas generaciones a conocer y valorar ese legado.

La iniciativa está organizada por la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Telde y la empresa municipal GESTEL, con motivo del Día Internacional de las Mujeres Rurales. Con esta propuesta, Telde reivindica la memoria de sus mujeres como parte esencial de la historia y de la identidad del municipio, poniendo en valor una herencia que, como la propia tierra, continúa dando frutos. [Ayto. Telde]

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“La pregunta es sencilla: por qué, entre jóvenes que aún no tienen edad de atesorar recuerdos, ha cobrado tanta importancia el tema de la historia, la memoria y el archivo; por qué el pasado suscita más interés creativo que el futuro”, plantea Ramón Salas, comisario de ‘Melancolía. El pasado por venir’. La exposición llega a la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife para indagar en una cuestión cada vez más presente en la creación joven: su relación con la memoria, el archivo y la nostalgia. Podrá visitarse hasta el 6 de noviembre en este espacio expositivo del Gobierno de Canarias.

Esta muestra es el resultado de la colaboración entre el área de Cultura del Gobierno de Canarias y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna (ULL), que cada año acerca a este espacio el trabajo de estudiantes recién egresados o próximos a finalizar sus estudios a través de la curaduría de Salas, docente en Bellas Artes.

Así, la SAC reúne las propuestas de Alejandra Arbelo, Ana Estrada, Leyla Lázaro, Miguel Martín, Daniel Martínez Montero, Joel Peláez, Irene G. Rossi y Marina Sunyer, junto a la artista invitada Isolina Díaz.

Salas apunta cómo ‘Melancolía. El pasado por venir’ no pretende ofrecer una interpretación definitiva. Propone, en cambio, observar las sensibilidades que atraviesan actualmente la creación emergente y plantear preguntas sobre lo que revelan acerca de nuestro presente y de nuestra manera de imaginar el futuro.

Este interés por el pasado aparece, además, en un contexto marcado por la incertidumbre ante el futuro y la amenaza bélica. Frente a unas expectativas cada vez más difíciles de imaginar, la nostalgia puede funcionar como refugio y explicar, al menos en parte, el regreso de estéticas, símbolos y referencias vinculadas a otros tiempos. Una tendencia que trasciende los revivals de las industrias culturales y que también se manifiesta en la producción artística de las generaciones más jóvenes.

En este sentido, Ramón Salas entiende las aulas y talleres de la Facultad de Bellas Artes como espacios especialmente sensibles a los cambios culturales. Las obras del alumnado permiten observar nuevas formas de aproximarse a la creación, menos interesadas en formular discursos cerrados y más vinculadas a lo emocional, lo cotidiano, la memoria y la búsqueda de espacios de bienestar o reconciliación.

La exposición está abierta de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas. La Sala de Arte Contemporáneo, SAC, se sitúa en la planta inferior del edificio de la Biblioteca Pública del Estado (“Casa de la Cultura”), junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña. [Gobierno de Canarias]

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La exposición llega en un momento especialmente significativo: será una de las últimas citas de “Un Artista y su Mes”, proyecto impulsado por TheNothingRoom para generar un espacio de encuentro entre artistas, público y territorio y que tendrá su gran cierre el próximo 7 de noviembre.

Ese día, TheNothingRoom reunirá a todos los artistas participantes en una exposición colectiva y presentará el catálogo que recoge el recorrido completo del proyecto – este proyecto contó con a Subvencion para Galerias del Cabildo de Tenerife , el Apoyo de Bureau Vallée . Una celebración final que convertirá en memoria compartida los meses de exposiciones, encuentros y propuestas que han dado forma a “Un Artista y su Mes”.

Pero antes de ese cierre, el espacio invita a descubrir el universo particular de Ángela Maglioni.

Ángela Maglioni: entrar en la trama

La obra de Ángela Maglioni se mueve entre la pintura, la gráfica y el muralismo, construyendo un lenguaje en el que lo figurativo y lo abstracto conviven y se transforman continuamente.

En sus composiciones aparecen rostros, personajes, flores, palmeras, montañas, ciudades y paisajes que se entrelazan como fragmentos de una historia mayor. El color adquiere una presencia protagonista: tonos vibrantes y colores neón crean un universo visual intenso, en el que una misma obra puede revelar diferentes imágenes dependiendo de la distancia y de la mirada.

Nada está completamente aislado. Todo forma parte de una trama.

Esta concepción conecta directamente con la relación de la artista con la naturaleza. Desde su llegada a Tenerife en 2019, el paisaje de la isla se ha convertido en una fuente fundamental de inspiración. Actualmente desarrolla su trabajo en el Histórico Jardín de Orquídeas de Puerto de la Cruz, donde observa la naturaleza como un organismo vivo, cambiante y lleno de estructuras que se repiten y se transforman.

El jardín se convierte así en una metáfora de su propia pintura: una red en permanente movimiento donde cada parte contiene algo del conjunto.

Su interés por las estructuras fractales, la naturaleza y la transformación está presente en unas obras que invitan al espectador a acercarse, alejarse y volver a mirar. La imagen cambia y la historia también.

Arte, naturaleza y conciencia

La preocupación por el medio ambiente forma parte igualmente de la práctica de Maglioni. Su trabajo se vincula al concepto de Arte Consciente, incorporando cuestiones relacionadas con la sostenibilidad y la conservación del entorno.

En su proceso creativo utiliza pigmentos orgánicos y pinturas ecológicas ZeroWaste, buscando que la reflexión sobre la naturaleza no permanezca únicamente dentro de la obra, sino que también forme parte de la manera de producirla.

Su trayectoria incluye, entre otros hitos, la participación en la Bienal de Arte de Santa Cruz de Tenerife en 2022.

En TheNothingRoom, esta propuesta encuentra un espacio de diálogo con una programación que busca acercar el arte contemporáneo al público y generar nuevas formas de encuentro entre creación, territorio y comunidad.

El último tramo de “Un Artista y su Mes”

La exposición de Ángela Maglioni no es, por tanto, una cita aislada. Es también la antesala del gran cierre de “Un Artista y su Mes”.

Durante el proyecto, TheNothingRoom ha abierto sus puertas a diferentes artistas y propuestas, construyendo progresivamente un recorrido que tendrá su culminación el 7 de noviembre. (sábado).

La jornada final reunirá a todos los artistas participantes en una exposición colectiva y estará acompañada por el lanzamiento del catálogo de “Un Artista y su Mes”, una publicación destinada a conservar y documentar el proyecto más allá de sus exposiciones.

Será un momento para volver a encontrarse con las obras, los artistas y las historias que han pasado por TheNothingRoom y para celebrar el carácter colectivo de una iniciativa que entiende el espacio expositivo como un lugar de encuentro.

DOS FECHAS PARA MARCAR EN LA AGENDA

2 DE OCTUBRE · 19:00 H

Ángela Maglioni

Inauguración de la exposición

TheNothingRoom

Calle La Hoya, 71 — 2.º

Puerto de la Cruz, Tenerife

7 DE NOVIEMBRE. 19:00 H

GRAN CIERRE DE “UN ARTISTA Y SU MES”

Presentación del catálogo + exposición colectiva con todos los artistas participantes

TheNothingRoom · Puerto de la Cruz

Dos fechas. Una exposición que abre el último capítulo y un gran encuentro que reunirá todas las voces del proyecto.

TheNothingRoom invita a mirar, descubrir y formar parte.

TheNothingRoom continúa su programación artística en Puerto de la Cruz con una nueva exposición de Ángela Maglioni, que abrirá sus puertas el próximo 2 de octubre a las 19:00 horas. [TheNothingRoom]

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Los trabajos fueron realizados durante el taller de Ilustración de Croquis de Vestimenta impartido el pasado 28 de agosto en las instalaciones del CIJ por la artista Laura Bañares. La actividad invitó a las personas participantes a explorar las posibilidades del dibujo y el color aplicados al diseño de vestuario y a plasmar sobre el papel sus propuestas.

El consejero de Juventud y Formación, Serafín Mesa, destaca que “lo interesante de “Fashion Lab” es que nos permite conocer cómo interpretan la moda los jóvenes de Tenerife y qué influencias forman parte de su universo. Cada trabajo tiene una identidad propia y, al reunirlos, encontramos una variedad de estilos y miradas que merece la pena compartir”.

Durante el taller, cada participante creó un figurín y desarrolló un diseño propio. Entre los trabajos que ahora se exhiben pueden encontrarse influencias de la estética de los años 2000, la música, la fantasía, la cultura pop o la moda de gala.

Mesa señala que “actividades como esta dan la oportunidad de probar disciplinas diferentes y descubrir otras vías para canalizar intereses e inquietudes. Además, poder ver después el trabajo expuesto supone llevar esa experiencia un paso más allá”.

La exposición puede visitarse de forma gratuita hasta el 30 de septiembre, de lunes a viernes, en horario de 09:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas, en el Centro de Información Juvenil, ubicado en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

Un espacio para mostrar la creación joven

«Fashion Lab» se enmarca en «CIJ Enseña», una iniciativa del Cabildo de Tenerife dirigida a artistas jóvenes de la isla que quieran presentar públicamente sus obras sin fines lucrativos.

El programa permite utilizar la zona expositiva del Centro de Información Juvenil y contar con el asesoramiento de su equipo para preparar la muestra y llevarla a cabo.

“Queremos que los jóvenes sepan que el CIJ está abierto a sus iniciativas. No es únicamente un lugar al que acudir en busca de información y asesoramiento; también queremos que sea un punto de encuentro en el que puedan participar, plantear proyectos y hacerlos realidad”, explica Serafín Mesa.

Las personas interesadas en formar parte de «CIJ Enseña» pueden ponerse en contacto con el equipo del centro para presentar su proyecto y conocer las posibilidades disponibles.

Las solicitudes pueden realizarse por teléfono, en el 922 534 021; a través de WhatsApp, en el 619 67 71 27; o por correo electrónico. [Cabildo de Tenerife]

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Mientras seamos salvajes, comisariada por Alejandro Castañeda, Néstor Delgado, Katya García-Antón, Roberto Gil, Onda Corta (Narelys Hernández y Joel Peláez) y Sergio Rubira, propone una reflexión sobre la manera en que la modernidad colonial construyó las figuras del salvaje y del bárbaro, y sobre cómo esos imaginarios siguen condicionando nuestra forma de entender el territorio y la identidad.

Minerva Cuevas utiliza la investigación para explorar temas relacionados con la ecología, las relaciones económicas y sociales, y el uso global de los recursos naturales, para crear obras que van desde proyectos de intervención hasta obras plásticas monumentales. Utilizando lenguajes gráficos, como los logotipos corporativos y la publicidad, su obra suele conectarnos con el imaginario contemporáneo y las estructuras corporativas de la economía mundial.

Cuevas ha participado en múltiples exposiciones nacionales e internacionales entre las que se encuentran: Ecología Social en el Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo (Brasil, 2025-26); A Time Between Ashes and Roses, Aichi Triennale (Japón, 2025); Once Within a Time: 12th SITE Santa Fe International (Estados Unidos, 2025); The River, Cc Foundation, Shanghái (China, 2024); Re-Sisters: A Lens on Gender and Ecology (Barbican Centre, Londres, 2023); y Game Over (Museo Jumex, Ciudad de México, 2022).

Ha participado en la Bienal de Liverpool, la Bienal de Berlín, la Bienal de Lyon, la Bienal del Mercosur, la Bienal de São Paulo, la Bienal de Sharjah, la Biennale of Sydney y la Bienal de Estambul, entre otras. En 2005 recibió la beca DAAD en Berlín y su trabajo forma parte de colecciones como Tate, Centre Pompidou, Solomon R. Guggenheim Museum, MUAC, Museo Jumex, Museum Ludwig y Van Abbemuseum.

Esta intervención se plantea como una antesala a la inauguración de la exposición colectiva Mientras seamos salvajes. [Cabildo de Tenerife]

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Las Casas Consistoriales de Telde abrirán sus puertas, desde este viernes 18 de septiembre y hasta el próximo 5 de octubre, a la exposición Donde Nace la Luz: Un Viaje por el Arte, el Amor y la Espiritualidad, de la artista Rachel AR, Raquel Adán Rubio. La inauguración tendrá lugar este viernes a las 19.00 horas.

La muestra, organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Telde y la empresa pública Gestel, propone al público un recorrido por un universo creativo en el que arte, amor, espiritualidad y naturaleza se encuentran y se convierten en diferentes formas de explorar las emociones, la conciencia y la propia experiencia vital.

La artista entiende la creación como una necesidad y como una herramienta para ordenar pensamientos, explorar aquello que en ocasiones resulta difícil de expresar con palabras y compartir con los demás una parte de su mundo interior. La trayectoria de Rachel AR está marcada por la sensibilidad y la búsqueda personal. Su proceso creativo adquiere especial intensidad a partir de 2020, cuando comienza a explorar mediante la pintura cuestiones relacionadas con la conciencia, los sueños y las revelaciones, utilizando el color y el gesto como vías de expresión.

Licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, con especialización en Imagen y Educación Artística, Rachel AR compagina actualmente su labor docente con su actividad como artista plástica y digital.

Donde Nace la Luz se presenta como una invitación a detenerse, observar y conectar con la dimensión más íntima de las emociones, pero también con la naturaleza y el entorno que nos rodea. Una propuesta en la que la creación artística se convierte en un espacio para la reflexión y la exploración personal.

Dos talleres como parte de la exposición

La programación se completará con dos talleres de dos horas de duración, que se celebrarán a las 18.00 horas, los días:

Viernes 25 de septiembre

Miércoles 30 de septiembre

La exposición podrá visitarse en la sala de las Casas Consistoriales, en horario de 17.30 a 20.00 horas, los días 21, 23, 25, 28 y 30 de septiembre, y 2 y 5 de octubre.

El Ayuntamiento de Telde invita a la ciudadanía a acercarse a esta propuesta artística y descubrir la obra de Rachel AR en un espacio emblemático del patrimonio cultural de la ciudad. [Ayto. Telde]

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El Cabrera Pinto abre las puertas de ‘Manolo Millares. Centenario’, con motivo de los cien años del nacimiento de este autor clave de la vanguardia española. Su sala albergará, del 19 de septiembre al 22 de noviembre, una selección de trabajos que recorren la trayectoria de un creador canario de proyección universal, cuya obra contribuyó decisivamente a la renovación de los lenguajes plásticos en la posguerra. La apertura de la muestra tendrá lugar este sábado 19, a partir de las 11.00 horas, en este emblemático espacio expositivo gestionado por el Gobierno de Canarias en La Laguna.

Comisariada por Carlos Díaz-Bertrana y Alba Rodríguez del Toro, la propuesta reúne 32 obras del autor grancanario. Estas piezas abarcan desde la juventud del artista hasta sus últimos trabajos, realizados a comienzos de la década de 1970, e incluyen algunas de sus icónicas arpilleras. Para ello, se ha contado con la colaboración de diversas colecciones particulares y con fondos de instituciones como el Gobierno de Canarias, el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), LM Arte Colección y la Fundación CajaCanarias.

Un canario universal

La actividad de Manolo Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 – Madrid, 1972), tanto en Canarias como en los movimientos de vanguardia internacional, le convierte en referente fundamental del arte insular y una de las firmas más destacadas del arte español del siglo XX. Pese a su temprana muerte, desarrolló una obra personal e inconfundible, construida desde criterios estéticos innovadores. Su profundo interés por la materia lo llevó a experimentar con materiales poco convencionales como la arpillera, que convirtió en eje central de su producción desde mediados de los años cincuenta.

Las arpilleras combinan la violencia del gesto con la crudeza de la materia: telas desgarradas, retorcidas, cosidas y perforadas, pintadas en una paleta restringida al blanco, negro y un uso ocasional del rojo, generan superficies llenas de tensión y expresividad. Así, el artista explora conflictos entre elementos opuestos, como vida y muerte o destrucción y creación, y convierte la propia materia que remite a las momias aborígenes canarias en un vínculo entre la tradición y la plástica contemporánea.

Sobre Millares, Díaz-Bertrana apunta como “La muerte le llegó temprano, con 46 años. De joven la veía en los cráneos y en el silencio estremecedor de las momias del Museo Canario: «De ahí nacen mis Arpilleras» y sus primeras obras, las Pictografías Canarias: Signos tomados de las inscripciones aborígenes que flotan en una pintura terroso, opaca e imprimen en la obra un lirismo simbólico- mágico.”

Sobre el artista

Manolo Millares creció en un entorno familiar vinculado a la vida intelectual de Canarias, lo que le acercó desde joven a escritores, poetas y artistas. De forma autodidacta empezó a desarrollar su interés por el arte realizando dibujos del natural. En 1940 estableció contacto con Felo Monzón y Martín Chirino, un hecho clave en su trayectoria artística.

Desde 1945 exhibió de forma individual en espacios culturales de Las Palmas de Gran Canaria, como el Círculo Mercantil, el Gabinete Literario y El Museo Canario, con obras figurativas en acuarela y pinturas con influencias surrealistas. La experiencia de contemplar vestigios prehispánicos en El Museo Canario influyó profundamente en su obra, y su interés por la cultura tradicional condujo su pintura hacia planteamientos más constructivistas y con referencias aborígenes.

En 1949 participó en la revista Planas de Poesía, junto a sus hermanos Agustín y José María, y en 1950 contribuyó a la actividad del grupo LADAC (Los arqueros del arte contemporáneo), organizando exposiciones, conferencias y la colección de monografías Los Arqueros.

En 1951 presentó obra en la I Bienal Hispanoamericana de Arte en Madrid. La serie de Pictografías canarias, inspirada en pintaderas y su interés arqueológico, marcó un hito en su evolución. En 1955 se trasladó a Madrid con Elvireta Escobio y comenzó a incorporar materiales como la arpillera, que se convertiría en su soporte emblemático.

En 1957 fue cofundador del grupo El Paso, pilar de la vanguardia española de los años cincuenta, y desarrolló un lenguaje plástico austero y expresivo, con una paleta reducida y formas de fuerte presencia material. Millares trabajó además el grabado, la pintura sobre papel y otros soportes, explorando series como ‘Homúnculos’, ‘Neanderthalios’ y ‘Antropofaunas’.

Su carrera internacional se consolidó desde finales de los años cincuenta, con participaciones en bienales como la de São Paulo y Venecia, exposiciones individuales en galerías de París y Nueva York y la inclusión de su obra en importantes museos. Manolo Millares murió en Madrid en 1972, a los 46 años, cuando su influencia en la pintura española moderna ya estaba ampliamente reconocida. [ICDCultural]

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