Tenerife Phe Festival completa el diseño de su undécima entrega consolidando una visión donde convergen el indie, la electrónica de vanguardia y la creación contemporánea. Los próximos 4 y 5 de septiembre, el municipio de Puerto de la Cruz acogerá una cita avalada por su segunda posición autonómica en el informe Lo mejor de la cultura de la Fundación Contemporánea y por la renovación de la certificación de sostenibilidad otorgada por la auditoría británica A Greener Future (AGF).

El apartado musical desplegará una estructura de tres espacios. Las plataformas Heineken y Deichmann albergarán de forma alterna directos internacionales que incluyen debuts absolutos en las islas como los británicos Fat Dog y Getdown Services, acompañados por Ibibio Sound Machine con Eno Williams, Bodega, ARXX y Faeda. En el plano estatal e hispanoamericano destacan VVV [Trippin’ You], Rufus T. Firefly con su álbum Todas las cosas buenas, Carlos Ares presentando La boca del lobo, Barry B, EZEZEZ en alianza con The Spanish Wave, Natalia Doco y Ona Mafalda. El talento insular estará representado por Choclock, Xerach, Good Franco, Belice, Just Becca y Pequeña Alaska.

De forma ininterrumpida, el escenario Ron Guajiro Phe Club funcionará como pista dedicada a la cultura de baile. La jornada del viernes estará encabezada por Phil Hartnoll, cofundador de Orbital, junto al referente centroeuropeo Roman Flügel. El sábado tomarán el relevo Alexis Taylor, vocalista de Hot Chip, y el electroclash de Yung Prado, completando la oferta con las sesiones de Candela, Isla Sonido, Mostany, Emma Play & Mr. Paradise, Bobby Bob, El Chico & Jessy La Ley y La Brega.

El encuentro se complementa con la programación transversal del sello PheXperiences. La muestra Phe Gallery inaugurará su novena edición el 7 de agosto en el Museo de Arte Contemporáneo Eduardo Westerdahl (MACEW, Casa de la Aduana), comisariada por Beatriz Roca con 27 creadores emergentes entre los que figuran Kernel, Oihane de Felipe García, Magali Brincat o Marina Sunyer. La agenda paralela suma la sexta entrega del BMX Water Jump el viernes 4 de septiembre en el Muelle, el campeonato de Urban Sports el 4 y 5 de septiembre en el skatepark de San Antonio, las sesiones de Phe Yoga el sábado 5 y la propuesta enológica Phe Wine.

En el plano del compromiso comunitario, la organización canalizará ayuda humanitaria ante la crisis sísmica en Venezuela con una aportación fija de 2.000 euros y el 5 % de la recaudación por venta de entradas a través del Comité de Emergencia Español. Los abonos y localidades se encuentran disponibles en la plataforma tickety.es.

Información | Agenda Cultural

Evento: Tenerife Phe Festival 2026 (11.ª edición)

Fechas: 4 y 5 de septiembre

Ubicación: Puerto de la Cruz, Tenerife

Espacios: Escenarios principales Heineken y Deichmann, escenario Ron Guajiro Phe Club y actividades del programa PheXperiences en el Museo de Arte Contemporáneo Eduardo Westerdahl (MACEW, Casa de la Aduana) y otras localizaciones del municipio.

Venta de entradas y abonos: Disponibles a través de la plataforma oficial tickety.es

Programación por Días

Viernes, 4 de septiembre: Fat Dog, Ibibio Sound Machine, Rufus T. Firefly, Bodega, Barry B, ARXX, EZEZEZ, Xerach y Belice.

Sábado, 5 de septiembre: Getdown Services, Carlos Ares, VVV [Trippin’ You], Natalia Doco, Choclock, Ona Mafalda, Faeda, Good Franco y Just Becca.

Ron Guajiro Phe Club (4 y 5 de septiembre): Phil Hartnoll (Orbital), Alexis Taylor (Hot Chip), Roman Flügel, Yung Prado, Candela, Isla Sonido, Mostany, Emma Play & Mr. Paradise, Bobby Bob, El Chico & Jessy La Ley y La Brega.

Más información en www.phefestival.es [The Borderline Music]

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La obra convirtió el corazón histórico de la ciudad en una gran imagen colectiva dedicada a la libertad, la diversidad y la defensa de los derechos del colectivo LGTBIQA+. A través del cuerpo humano, el color y el espacio público, Tunick compuso una escena inspirada en los colores de la bandera LGTBIQ+, símbolo universal de orgullo, resistencia, memoria y reconocimiento.

En GRAN SPECTRUM, el color no actuó únicamente como un recurso visual, sino como parte esencial del mensaje. Cada tono formó parte de una composición común que habla de una sociedad plural, diversa y viva; una sociedad que ocupa el espacio público para recordar que los derechos conquistados no pueden darse por garantizados. La imagen creada esta madrugada en Vegueta es, ante todo, una declaración colectiva de presencia y un statement contra el odio.

La acción cobra una relevancia especial en el escenario global. En Estados Unidos, país de origen de Spencer Tunick, y en otros lugares del planeta, se vive un clima de cuestionamiento y retroceso respecto a derechos ya conquistados por el colectivo LGTBIQA+. Frente a esa realidad, GRAN SPECTRUM se alza como una respuesta artística y social desde Canarias: una imagen de resistencia serena, de libertad compartida y de afirmación pública.

La intervención reunió a personas procedentes de veintitrés países diferentes, junto a participantes ilustres, ciudadanía local y visitantes que quisieron formar parte de una obra única. Esa diversidad de procedencias convirtió la acción en una imagen de comunión internacional, un gesto compartido que proyecta desde Gran Canaria un mensaje claro: la sociedad no retrocede en derechos; los derechos se defienden, se visibilizan y se ejercen.

Con esta obra, Spencer Tunick no solo crea una imagen artística de enorme impacto visual; también revela algo profundamente vinculado a la historia reciente de Canarias: el papel decisivo que las islas, y especialmente Gran Canaria, han tenido en la construcción de nuevos imaginarios de libertad, diversidad y derechos civiles. Durante décadas, este territorio ha sido origen, refugio y altavoz de propuestas sociales y culturales que han trascendido al mundo y que han contribuido a posicionar a España, desde Canarias, entre los referentes internacionales en materia de derechos humanos LGTBIQA+.

En ese sentido, GRAN SPECTRUM es mucho más que una fotografía colectiva. Es el retrato de una tierra que ha entendido la diversidad como parte de su identidad, de una ciudadanía que convive desde el respeto y de un pueblo que ha hecho de la libertad una forma de estar en el mundo. La obra de Tunick condensa esa idiosincrasia canaria: abierta, plural, acogedora y comprometida con la defensa de los derechos fundamentales.

La elección de Vegueta, corazón histórico de Gran Canaria y uno de los enclaves patrimoniales más importantes de Canarias, no es casual. Spencer Tunick ha situado su obra en un espacio cargado de raíz, memoria e identidad colectiva, precisamente para subrayar que la diversidad también forma parte de la historia profunda de este territorio. Vegueta representa el origen, la ciudad fundacional, el lugar donde conviven la memoria, la arquitectura, la vida civil y la dimensión simbólica de Canarias.

La intervención se realizó además frente a una de las imágenes más poderosas del imaginario colectivo: la de la fe, representada por la Catedral de Santa Ana, Catedral de Gran Canaria y uno de los grandes símbolos históricos y espirituales de la isla, recientemente visitada por el Papa. Ese diálogo entre el cuerpo, la diversidad, la fe, la historia y los derechos civiles aporta a la obra una fuerza singular: una imagen contemporánea de libertad situada ante un espacio que forma parte de la memoria emocional, religiosa y patrimonial de Canarias.

La realización de GRAN SPECTRUM ha supuesto meses de trabajo conjunto entre el equipo de Culture & Business Pride y Spencer Tunick. La producción se ha desarrollado en estrecha colaboración con el artista neoyorquino, cuidando cada aspecto conceptual, técnico, logístico y humano de una acción de enorme complejidad. La obra es el resultado de un proceso intenso de coordinación internacional, planificación artística y compromiso colectivo.

Pero esta obra ha sido posible, ante todo, gracias a las personas participantes, verdaderas protagonistas de la intervención. Fueron ellas quienes, desde primera hora de la madrugada, dieron sentido al proyecto con su presencia, su confianza y su entrega. Sin esa comunidad reunida en Vegueta no habría existido GRAN SPECTRUM: cada cuerpo, cada color y cada gesto formaron parte de una imagen común que habla de libertad, respeto y derechos compartidos.

El evento transcurrió desde primera hora de la madrugada, con un operativo formado por unas 40 personas entre producción, coordinación, seguridad, asistencia, logística, comunicación y equipos técnicos. La organización trabajó durante toda la noche para garantizar el correcto desarrollo de la intervención, la atención a las personas participantes y el respeto a las necesidades artísticas de la obra.

La acción se desarrolló en estrecha colaboración con las entidades patrocinadoras y colaboradoras del proyecto, entre ellas el Cabildo de Gran Canaria, Promotur Turismo de Islas Canarias y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, cuyo apoyo ha permitido situar a Gran Canaria en el centro de una conversación internacional sobre arte contemporáneo, derechos humanos y visibilidad LGTBIQA+.

Desde Culture & Business Pride se destaca que esta intervención no ha sido solo una fotografía, sino una experiencia de ciudadanía. En una sola imagen, GRAN SPECTRUM reúne cuerpos, colores, territorio y memoria para recordar que la visibilidad sigue siendo una herramienta esencial frente al odio, el miedo y la exclusión.

Gran Canaria amaneció hoy convertida en un símbolo internacional de libertad. Una isla que vuelve a demostrar que la cultura puede ser una herramienta de transformación social y que los derechos humanos también se defienden desde el arte, desde la belleza y desde la ocupación pacífica del espacio público.

La madrugada vivida en Vegueta deja una imagen histórica para Gran Canaria y para el movimiento LGTBIQA+: una imagen de comunión, orgullo y presencia colectiva. Una obra que afirma, desde Canarias hacia el mundo, que la diversidad no retrocede. [The Borderline Music]

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Con el patrocinio de la Presidencia del Cabildo de Gran Canaria y Promotur Turismo de Islas Canarias, esta conferencia reunirá en Las Palmas de Gran Canaria a tres perfiles de enorme relevancia para pensar el presente y el futuro de las ciudades, las instituciones culturales y la responsabilidad pública en un momento de grandes transformaciones globales.

La mesa, titulada “Reconstruir con cultura hoy”, formará parte del Networking Hub de Culture & Business Pride y planteará una pregunta esencial: ¿cómo puede la cultura ayudar a reconstruir una sociedad? La conversación abordará el papel de las ciudades, los museos, las instituciones culturales, la defensa de los derechos humanos y la cooperación internacional como herramientas para crear comunidades más abiertas, justas y resilientes.

Uno de los nombres clave de esta cita será Toni Attard, fundador y director de Culture Venture y uno de los grandes expertos europeos en políticas culturales. Attard fue el primer director de estrategia del Arts Council Malta, ha asesorado en políticas de economía creativa y cultura, y forma parte del panel de expertos de la Comisión Europea para la selección y seguimiento de las Capitales Europeas de la Cultura. Desde ese lugar, evalúa y acompaña a ciudades europeas que aspiran a transformar su futuro a través de la cultura, uno de los procesos culturales más importantes de Europa.

La presencia de Toni Attard en Gran Canaria resulta especialmente significativa por su conocimiento de los modelos de ciudad cultural, transformación urbana, internacionalización y construcción de identidad territorial a través de la cultura. Junto a él participará Carlos Urroz, una de las figuras más influyentes de la gestión cultural en España. Exdirector de ARCOmadrid y actual director del Gabinete Institucional del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Urroz ha estado vinculado al desarrollo de algunos de los proyectos artísticos e institucionales más importantes del país. Su mirada aportará una reflexión sobre el papel de las instituciones culturales, la diplomacia cultural, los museos, el arte contemporáneo y la proyección internacional de las ciudades.

Completa la mesa Carlos Umaña, médico costarricense y activista internacional por la paz, vinculado a ICAN, la Campaña Internacional para la Abolición de las Armas Nucleares, organización reconocida con el Premio Nobel de la Paz 2017. Su trabajo conecta salud pública, derechos humanos, desarme, paz y responsabilidad global, aportando una dimensión ética imprescindible a una conversación sobre cultura y reconstrucción social.

La conferencia contará con la participación de Shannis y Adolfo Rodríguez en la moderación y conducción del encuentro, en un formato cercano y conversacional, pensado para abrir el diálogo con el público y conectar la reflexión cultural con los grandes debates contemporáneos.

Tras esta primera mesa, el CAAM acogerá también la conferencia “¿De qué nos reímos ahora?”, con Shannis, Tazarte y Luisito Flowers, moderada por Adolfo Rodríguez. Esta segunda conversación abordará el papel del humor en la era de las redes sociales, los nuevos lenguajes digitales, la construcción de comunidad, la libertad para hacer reír y los límites actuales de la comedia. Una mesa divertida, actual y necesaria sobre cómo ha cambiado el humor cuando una broma puede viajar en segundos a miles o millones de personas.

Ambas actividades serán de entrada gratuita hasta completar aforo y forman parte de la programación de Culture & Business Pride 2026, que vuelve a situar a Gran Canaria y a las Islas Canarias como espacio de encuentro entre cultura, diversidad, pensamiento contemporáneo y derechos humanos. Más información, horarios y programa actualizado estarán disponibles en culturepride.org.

Esta edición contará además con uno de sus grandes hitos internacionales: GRAN SPECTRUM, la acción artística participativa de Spencer Tunick, que tendrá lugar el próximo 26 de julio en Las Palmas de Gran Canaria. El artista, reconocido mundialmente por sus instalaciones colectivas con cuerpos humanos en el espacio público, realizará por primera vez en Islas Canarias una intervención vinculada a la diversidad, la libertad y el orgullo LGTBIQA+. Las personas interesadas en participar pueden inscribirse en granspectrum.com.

Con estas conferencias, Culture & Business Pride refuerza su apuesta por convertir Gran Canaria y las Islas Canarias en un territorio internacional de cultura, derechos humanos, creación contemporánea y diálogo global.

Datos de la actividad principal

Actividad: Networking Hub · “Reconstruir con cultura hoy”

Participantes: Carlos Umaña, Carlos Urroz y Toni Attard

Moderación: Shannis y Adolfo Rodríguez

Fecha: 28 de julio

Lugar: CAAM · Centro Atlántico de Arte Moderno

Ciudad: Las Palmas de Gran Canaria

Entrada: Gratuita hasta completar aforo

Festival: Culture & Business Pride 2026

Patrocinan: Presidencia del Cabildo de Gran Canaria y Promotur Turismo de Islas Canarias

Más información: culturepride.org

Siguiente conferencia

Actividad: “¿De qué nos reímos ahora?”

Participantes: Shannis, Tazarte y Luisito Flowers

Moderación: Adolfo Rodríguez

Fecha: 28 de julio

Lugar: CAAM · Centro Atlántico de Arte Moderno

Entrada: Gratuita hasta completar aforo

Recordatorio

GRAN SPECTRUM · Spencer Tunick

Fecha: 26 de julio

Lugar: Las Palmas de Gran Canaria

Inscripción: granspectrum.com

Culture & Business Pride 2026 Programación cultural, artística y musical en Gran Canaria. Más información en culturepride.org. [The Borderline Music]

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La exposición que podrá visitarse en el museo que gestiona la Consejería de Cultura en la ciudad de Gáldar es una producción conjunta del MUBEA Gran Canaria Museo de Bellas Artes y la Casa-Museo Antonio Padrón. Centro de Arte Indigenista, con la colaboración del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). Está comisariada por José Alejandro Díaz Hernández y Mave Delisau Jorge, conservadores del Servicio de Museos del Cabildo de Gran Canaria. La inauguración será de entrada libre hasta completar aforo y la muestra permanecerá abierta al público hasta el 10 de enero de 2027.

El proyecto toma como punto de partida la obra En la exposición (1964), de Antonio Padrón, una técnica mixta sobre táblex que da título a la muestra y que sirve como eje para establecer un diálogo entre distintas sensibilidades artísticas. A partir de esta pieza, el recorrido reúne una selección de obras del propio Padrón junto a trabajos de Lola Massieu, Pino Ojeda y Yolanda Graziani, estableciendo un espacio de encuentro entre artistas que, desde planteamientos personales, contribuyeron decisivamente a la renovación de los lenguajes plásticos en Canarias durante la década de los sesenta.

Un diálogo entre lenguajes artísticos

Lejos de plantear una comparación cronológica o estilística, ‘Conversaciones en paralelo’ propone descubrir afinidades, contrastes y resonancias entre cuatro trayectorias que compartieron un mismo contexto histórico y una voluntad de experimentación. La exposición pone de relieve cómo Antonio Padrón, conocido principalmente por su producción figurativa, desarrolló también una intensa investigación en torno a la abstracción, estableciendo interesantes puntos de contacto con algunas de las principales creadoras del arte abstracto canario.

Las obras seleccionadas permiten apreciar diferentes aproximaciones al lenguaje abstracto, desde la fuerza matérica y gestual de Lola Massieu hasta la experimentación técnica de Pino Ojeda o la personal investigación formal de Yolanda Graziani. En conjunto, la muestra invita a revisar la riqueza y diversidad de la abstracción desarrollada en Canarias durante un período especialmente fértil para el arte contemporáneo del Archipiélago.

Obras representativas de una generación renovadora

La exposición reúne una selección de diez piezas realizadas entre 1962 y 1966. De Antonio Padrón se presentan la obra En la exposición (1964) y una escultura Sin título (1963) en piedra artificial. El recorrido se completa con dos pinturas de Lola Massieu, tres obras de Pino Ojeda —entre ellas Montaña roja, Gruta polar y Nocturno— y tres piezas de Yolanda Graziani, representativas de su producción abstracta en esos mismos años.

A través de este conjunto de obras, la Casa-Museo Antonio Padrón propone una nueva lectura sobre la aportación de Antonio Padrón a la modernidad artística canaria y reivindica, al mismo tiempo, el papel esencial desempeñado por Lola Massieu, Pino Ojeda y Yolanda Graziani en la consolidación de la abstracción en las Islas. [Cabildo de Gran Canaria]

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El Museo Insular de La Palma incorpora tres nuevas obras a su colección para seguir poniendo el patrimonio artístico al servicio de la ciudadanía insular y sus visitantes. El espacio perteneciente al Cabildo Insular ha recibido una obra donada por el artista gráfico Will Corvara y dos obras que permanecerán en depósito temporal, una de la artista Pauline Nijenhuis y otra, un óleo sobre lienzo del pintor canario Gregorio Toledo, cedido por un coleccionista particular.

La consejera de Cultura y Patrimonio Cultural del Cabildo Insular de La Palma, Miriam Perestelo, defiende que “el patrimonio no se construye únicamente desde las instituciones, sino también gracias a la implicación de quienes entienden que el arte alcanza su verdadero valor cuando pasa a formar parte de la memoria colectiva”.

En este sentido, Perestelo incide en el compromiso del equipo de gobierno por seguir fortaleciendo el Museo Insular como referente cultural de La Palma, impulsando una colección pública cada vez más rica, diversa y representativa.

Por su parte, la directora del Museo Insular, Isabel Santos, expresa su «profunda gratitud por la extraordinaria generosidad» de Will Corvara al formalizar la donación permanente de una fotografía perteneciente a su colección Botanical. «La incorporación de esta obra enriquece nuestra colección permanente y permite que, desde hoy, pase a formar parte del patrimonio que el Museo pone a disposición de toda la ciudadanía», destaca.

Asimismo, Santos agradece la confianza de los propietarios han cedido temporalmente otras dos obras, «que aportarán un valor excepcional al discurso expositivo actual y que es un placer poder custodiar durante este tiempo».

Las nuevas obras

La primera de las incorporaciones corresponde a la donación realizada por el artista gráfico Will Corvara, quien entrega al Museo una obra perteneciente a su serie Botanical. Se trata de una colección en la que el artista explora la naturaleza desde una perspectiva contemporánea, transformando elementos vegetales en composiciones de gran fuerza estética y poética.

Su trabajo, reconocido por el diálogo entre fotografía, diseño y creación digital, encuentra ahora un lugar permanente dentro del patrimonio artístico insular gracias a esta generosa donación.

La segunda obra llega mediante un depósito temporal de un año. Snellandschap Disco, realizada en 2020 por Pauline Nijenhuis, combina acrílico y bordado manual sobre lino para representar un paisaje tan singular como reconocible para quienes residen en La Palma, como son los depósitos de combustible de DISA situados en la costa de Breña Alta. La artista convierte un enclave industrial en un paisaje cargado de sensibilidad, invitándonos a reflexionar sobre la convivencia entre territorio, industria y memoria.

La tercera es un óleo sobre lienzo del pintor canario Gregorio Toledo, cedido temporalmente por un coleccionista particular. Su incorporación permitirá enriquecer la exposición permanente dedicada al artista, ampliando el recorrido por su trayectoria pictórica y ofreciendo al público una nueva oportunidad para profundizar en la obra de uno de los grandes referentes de la pintura en Canarias. [Cabildo de La Palma]

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La Sala L, ubicada en el edificio que conforma el Centro de Arte La Recova de Santa Cruz, acoge “Creando en Tenerife”, una exposición de Pablo Martín que recoge obras que ha realizado en la isla desde su jubilación. La inauguración de esta muestra tendrá lugar, mañana, a las 18:00 horas, y podrá visitarse hasta el próximo 16 de agosto.

El alcalde de Santa Cruz de Tenerife, José Manuel Bermúdez, destaca el proyecto, que contiene una selección de obras que abarca los años 2022, 2023, 2024 y 2025: “Esta muestra representa una magnífica oportunidad para descubrir la evolución más reciente de un artista que ha encontrado en nuestra isla el escenario perfecto para seguir creando tras su jubilación”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Díaz Mejías, apunta que “el espectador podrá encontrar diferentes propuestas y efectos con un denominador común que es la base de madera”. Además, el edil detalla que “la versatilidad de la madera como soporte principal permite al artista experimentar con texturas, volúmenes y composiciones únicas, demostrando que la creatividad se transforma y enriquece al nutrirse e inspirarse de la esencia de Tenerife”.

El artista asegura que sobre la madera puede crear relieves y formas “que escapan de la tiranía del plano”. “Esto provoca que, a veces, durante el proceso me sienta más artesano que artista, pero dónde acaba la artesanía y dónde empieza el arte es para mí algo difícil de concretar”, afirma.

Martín reconoce que “el verdadero sentido de mi pintura no es reproducir bellas imágenes, es un intento de conocimiento, un modo de adentrarme en la materia, una forma de ver el mundo y encontrar el sitio que me corresponde en él”.

La trayectoria artística formal de Pablo Martín comenzó en 1976, año en el que ingresó en la Academia de Rafael Peña en Madrid para cursar estudios de pintura. Posteriormente, complementó su perfil técnico con estudios de Preimpresión en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid, una formación que definió su posterior trayectoria laboral en el ámbito de la enseñanza pública. Tras su jubilación, trasladó su residencia y su taller a la isla de Tenerife.

En los últimos años, el artista ha proyectado sus obras al ámbito cultural canario. En 2023 realizó su primera exposición individual, en Canarias, en la Sala de Arte La Recova de Santa Cruz de Tenerife.

Horario de visitas

La Sala L estará abierta al público de martes a sábado, de 11:00 a 13:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas. Los domingos será de 11:00 a 14:00 horas, mientras que el lunes será el único día semanal en el que la exposición no estará disponible. [Ayto. Santa Cruz de Tenerife]

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La exposición, comisariada por Dalia de la Rosa y Javier Sicilia Rodríguez, estará abierta al público desde el próximo viernes 10 de julio, a las 12:00, cuando tendrá lugar su inauguración abierta a todo el público. A partir de entonces, permanecerá instalada durante los meses de verano, con acceso libre y gratuito hasta el próximo 11 de septiembre.

El proyecto de la muestra se articula a partir de dos espacios interconectados. En el primero, Allgayer reúne una selección de piezas creadas entre 2024 y 2025 que dialogan y resuenan directamente con la gran instalación que da título a la muestra, lo que completa así el cuerpo de trabajo en el que la creadora se encuentra inmersa actualmente.

El cuerpo y el breakbeat como ejes espaciales

Lejos de proponer un trabajo de contemplación estática, Andrea Allgayer pone al cuerpo en el centro del espacio en ‘Sabes que nunca lo haría’. En la instalación principal, la artista emplea recursos como la traducción visual y espacial de dinámicas propias de la música con circulación social -como el ritmo, la vibración, la repetición o la fragmentación- y despliega en la sala lo que la artista define como “arquitectura vibrante”.

La propuesta de Allgayer explora el terreno fronterizo donde la poesía se cruza con la energía del breakbeat, conectando al mismo tiempo realidades equidistantes como las metrópolis y las periferias barriales. A su vez, mediante la presencia del texto -que se entiende en la exposición como la inscripción de una materialidad inconcreta-, la obra apela a un cuerpo que se dobla ante las vivencias que las palabras no logran abarcar por sí solas.

Andrea Allgayer (Santa Cruz de Tenerife, 1999) es Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración por la Escuela Fernando Estévez. En la actualidad compagina su labor como artista con los estudios del grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Su práctica artística se fundamenta en su interés por la poesía y los nuevos materialismos, lo que le lleva a buscar constantemente relaciones formales y lingüísticas entre objetos y metodologías basadas en el ritmo.

Durante su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas y certámenes, y ha obtenido galardones destacados como el Best Institutional Proposal 2025, que recibió en la primera edición de la University Art Biennal de Palma de Mallorca. El mismo año, también realizó la residencia ‘Carta de ajuste’ en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. [ICDCultural]

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La muestra podrá visitarse de manera gratuita hasta el 18 de octubre, de martes a domingos y festivos, en horario de 10:00 a 20:00 horas. Además, mañana (viernes 3) a las 19:00 horas, se celebrará un encuentro público entre los artistas, los comisarios y los asistentes. Esta actividad ofrecerá una oportunidad para conocer de cerca el proceso creativo y las reflexiones que dan forma a la exposición, cuya metodología entrelaza investigación y producción, activando relaciones entre la escultura, el dibujo, la deriva urbana y la instalación.   

José Carlos Acha explicó que las dieciséis piezas que conforman Un loro, tres bares y dientes de oro han sido realizadas específicamente para TEA. Aunque las obras son de nueva producción, cabe destacar que el proyecto se sustenta en una investigación que Pérez y Requena desarrollan desde hace más de una década. Durante su intervención, Acha quiso “felicitar a los artistas por el rigor y la profundidad de una propuesta que nos invita a reflexionar sobre la evolución de nuestro propio entorno”, al tiempo que agradeció “su compromiso con la creación contemporánea y su capacidad para transformar una investigación tan exhaustiva en una experiencia estética y crítica de primer orden”.   

Asimismo, el consejero reflexionó sobre el trasfondo conceptual de la muestra, aludiendo a cómo el proyecto retrata “ciudades en perpetuo cambio” y aborda fenómenos como la gentrificación. En este sentido, hizo alusión al modelo de Haussmann para explicar cómo la trama urbana se destruye y se construye de manera constante: “Al final, en esa metamorfosis continua de la urbe,     lo que verdaderamente permanece es la trama misma, las calles y el plan que las proyectó, los cuales operan como el verdadero testigo de nuestra historia”, concluyó.   

Por su parte, Pérez y Requena explicaron que “la exposición comienza ya desde su propio título: Un loro, tres bares y dientes de oro. Y es que, según detallaron los creadores, su intención era que “esas palabras funcionaran como una constelación de imágenes, una invitación a establecer relaciones, a activar recuerdos, asociaciones y relatos antes incluso de entrar en la sala”. Este proyecto se enmarca dentro de una investigación artística que los autores desarrollan desde hace años bajo el nombre de Conquistador. Con el paso del tiempo, esta iniciativa “ha ido adquiriendo la forma de un archivo; pero no de un archivo entendido como algo cerrado o estable, sino como un archivo vivo, en permanente transformación, compuesto por imágenes, documentos, objetos, historias y tiempos muy distintos entre sí, muchas veces alejados de los relatos hegemónicos sobre la ciudad”.   

Los artistas aprovecharon la ocasión para mostrar su gratitud con el equipo del centro. Primero dieron las gracias a Sergio Rubira por invitarlos a desarrollar este proyecto expositivo en TEA y por la confianza depositada en su trabajo. Asimismo, hicieron extensivo su agradecimiento a los comisarios de la muestra, Néstor Delgado Morales y Latitudes. “Ha sido un privilegio compartir este proceso con ellos. Gracias por la complicidad, por el diálogo constante y por acompañarnos durante todos estos meses de trabajo, ayudándonos a profundizar en una parte muy importante de este archivo”, manifestaron, concluyendo que “en realidad, son muchas las personas que, de una forma u otra, forman parte de esta exposición. Sin ellas habría sido muy difícil que este proyecto pudiera tomar cuerpo”.   

Latitudes desglosó la estructura y el contenido de la muestra. Explicaron que la muestra “propone un recorrido en el que convergen distintos soportes —escultura, dibujo, pintura e instalación— y temporalidades”. Según detallaron, la exposición se organiza en varios ejes conceptuales. “Un primer ámbito gira en torno a la edición expandida. Se trata de obras que trasladan a las salas expositivas, elementos gráficos que previamente existían en soportes impresos y que ahora salen de la página para ocupar las salas”, apuntaron.   

“En un segundo ámbito se exhibe un conjunto de obras que recupera materiales e indicios de la vida cotidiana de Santa Cruz para hablar de sus condiciones sociales, históricas y afectivas. Un ejemplo especialmente significativo es la instalación realizada con 36 metros de neón rosa procedentes de la antigua tienda Topacio, que estaba en el edificio Olympo. Y, a medio camino entre estos bloques, surge una propuesta situada entre el dibujo expandido y el archivo documental, con obras que remiten a elementos ordinarios como el toldo de un bar o plantillas de zapatero y ebanista”, detallaron.   

Indicaron que, en su conjunto, la muestra nace de la observación y la deambulación por la urbe. “Pérez y Requena dirigen su atención hacia aquello que normalmente queda fuera de foco: los saberes locales, los pequeños comercios, los trabajos artesanales… aquello que sucede desde su kilómetro cero, un radio que, por cierto, también incluye al propio TEA”, precisaron, destacando que el proyecto está atravesado por el humor y la idea de intrahistoria de Unamuno. “No obstante, más que adoptar una posición nostálgica o meramente reivindicativa, creo que el trabajo de Pérez y Requena propone una mirada crítica sobre estos procesos”, afirmaron, remarcando que, “la exposición y la práctica de los artistas no habla únicamente de las cosas que una ciudad decide recordar, sino también las cosas que decide olvidar”.       

Por su parte, Néstor Delgado reflexionó sobre el papel del museo y el impacto del trabajo de los artistas en el entorno local, señalando que Pérez y Requena desarrollan un trabajo “fundamental para pensar las transformaciones urbanas que ha vivido Santa Cruz de Tenerife”. Según Delgado, estos cambios “afectan al modo en que habitamos la ciudad y tienen localizaciones muy concretas”, lo que interpela directamente a una institución como TEA, nacida en su día al amparo de un proyecto de regeneración urbana.   

El comisario subrayó la importancia de que el museo abra espacios para el debate crítico sobre estas dinámicas complejas, destacando el valor de la metodología de los creadores. “Pérez y Requena han construido su práctica a partir de redes de colaboración,  desarrollando un método basado en la proximidad, el intercambio y el trabajo compartido”, explicó Delgado, añadiendo que su obra “desplaza la mirada hacia aquello que suele quedar fuera de los grandes relatos del progreso y del desarrollo urbano, poniendo en valor lo que todavía permanece latente”.   

Para finalizar, Delgado agradeció el impulso de Sergio Rubira, la complicidad del equipo curatorial de Latitudes y el esfuerzo del personal técnico y administrativo del centro. Asimismo, dedicó unas palabras de reconocimiento a los autores “por su generosidad e invitación constante al juego, a formar parte de su compromiso gozoso por tejer redes, generar vínculos y recordarnos que la cultura también se construye desde la colaboración, la cercanía y el cuidado de las relaciones”.

Un loro, tres bares y dientes de oro

La práctica de Pérez y Requena parte de la construcción de un archivo en permanente crecimiento sobre las transformaciones urbanas y sociales de Santa Cruz de Tenerife, especialmente de aquellos espacios sometidos a procesos de desaparición, renovación o desplazamiento. Ese trabajo de archivo se traduce en un proceso de experimentación material que desplaza esos hallazgos al espacio expositivo. Su trabajo se centra en las huellas de una ciudad que ha sido progresivamente desplazada, transformada y, en muchos casos, ocultada por los procesos de renovación urbana. Las obras que conforman la exposición no reconstruyen ese pasado de manera documental, sino que activan sus rastros mediante desplazamientos materiales y formales. Arquitecturas desaparecidas, fragmentos urbanos y elementos de la cultura visual reaparecen en la sala como presencias casi fantasmales, traducidas a través del dibujo, la línea, la escultura y otros recursos gráficos.   

Los artistas devuelven una presencia física a formas y espacios que han ido desapareciendo con el tiempo, proponiendo una lectura de la ciudad desde la memoria, la ausencia y la transformación. Al mismo tiempo, el proyecto recupera materiales, técnicas y oficios artesanales vinculados a las economías populares del entorno, incorporándolos al lenguaje de la instalación contemporánea y reivindicándolos como portadores de conocimiento y memoria.   

El hecho de presentarse en TEA cobra especial relevancia al ser esta una institución cuya implantación fue uno de los principales motores de la transformación urbanística del entorno de Miraflores y El Cabo. El derribo reciente de una de los antiguos locales nocturnos de la Calle Miraflores se convierte aquí en un punto de partida para reflexionar sobre la memoria urbana, las formas de habitar y las consecuencias de los procesos de renovación y gentrificación sobre el tejido social de la ciudad.   

Respecto al título de la exposición, cabe subrayar que este condensa un paisaje en un enunciado breve, aparentemente inconexo, que activa asociaciones antes que articular un relato cerrado. Surge de las derivas y del archivo que desarrollan desde hace años en torno a la zona que hoy   ocupa el museo, un enclave construido sobre un mundo que imaginó su porvenir de otra manera. Asociado en otro tiempo a espectáculos ambulantes, bares y encuentros furtivos, este territorio fue posteriormente dislocado por procesos de regeneración urbana. Aun manteniendo su carácter abierto, la exposición propone aquí una posible edición de esos largos procesos.   

La muestra surge de la persistencia de los artistas en sus merodeos, en los rumores y en los restos documentales; una aproximación tanto a lugares reales como a los fantasmas de una imaginación desplazada, así como a formas de vida y usos urbanos progresivamente demolidos y olvidados. Los materiales, técnicas e imágenes reunidos —entre ellos fotografías descartadas, ecos arquitectónicos o patrones obsoletos— funcionan como viñetas, escenas parciales y fragmentos residuales que remiten a otros tiempos y geografías. Mediante diversas estrategias de montaje estas composiciones no buscan ilustrar ni fijar un significado, sino hacer perceptible una ausencia.   

La exposición se articula a partir de la idea de un dibujo expandido. Se estructura mediante una serie de ejercicios formales que introducen tensiones y hacen visible aquello que permanece inscrito en sus márgenes. El espacio expositivo oscila entre líneas rectas y sinuosas, así como trazos que dan forma a la memoria y el paso del tiempo, entendidos como fuerzas capaces de modelar y transformar los espacios que habitamos.

Israel Pérez y María Requena

Israel Pérez y María Requena (n. 1975 y 1978) se licenciaron en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna en el año 2000 y, posteriormente, completaron los Diplomas de Estudios Avanzados en Pintura en la misma institución, donde actualmente también ejercen como docentes. Su trabajo ha formado parte de exposiciones colectivas como Nudos y enredos 2/5 (Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Santa Cruz de Tenerife, 2025-26); Pintura enojada (Travesía Cuatro, Ciudad de México, 2024-25); Concretos (TEA Tenerife Espacio de las Artes, Santa Cruz de Tenerife, y Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León MUSAC, León, 2022–23); y No news, good news (CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria, 2019). Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Conquistador (Galería BIBLI, Santa Cruz de Tenerife, 2022), y The Fall (Sala de Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife, 2017). [Cabildo de Tenerife]

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A través de diferentes lenguajes plásticos y visiones personales, más de una veintena de creadores exploran algunos de los temas esenciales que atraviesan la obra del autor checo: la identidad, la transformación, la incomunicación, el laberinto de la existencia o la compleja relación entre el individuo y las estructuras de poder. El resultado es un diálogo contemporáneo con el universo kafkiano, que pone de manifiesto la vigencia de sus planteamientos y su capacidad para interpelar al espectador actual.

El alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, destaca la relevancia cultural de esta propuesta y señala que “esta exposición constituye un magnífico ejemplo de cómo los grandes referentes de la cultura universal siguen inspirando nuevas formas de creación y pensamiento. Santa Cruz reafirma así su compromiso con una programación cultural de calidad, capaz de conectar el patrimonio intelectual de la humanidad con la sensibilidad artística contemporánea”. Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Mejías Díaz, subraya que “el proyecto de ALBAZUL Arte demuestra la capacidad del arte para generar diálogo entre disciplinas, épocas y sensibilidades diferentes. La figura de Kafka continúa siendo una herramienta extraordinaria para reflexionar sobre cuestiones que siguen plenamente vigentes en nuestra sociedad, y esta exposición ofrece al público una oportunidad única para acercarse a su legado desde múltiples perspectivas”.

La exposición toma su título de una anotación escrita por Kafka en sus diarios el 12 de junio de 1923. En ella, el escritor reflexiona sobre las dudas inherentes al acto creativo y concluye con una expresión que da nombre al proyecto: “(…) así, hasta el infinito”. Una frase que resume tanto la inquietud permanente del creador como la extraordinaria capacidad de su obra para proyectarse más allá de su tiempo.

Para ALBAZUL Arte, esta propuesta supone además un nuevo paso en su trayectoria colectiva. Desde su creación en 2023, el grupo ha desarrollado diversos proyectos expositivos basados en el intercambio de miradas y la construcción de discursos compartidos. Con esta iniciativa, el colectivo consolida su apuesta por las exposiciones temáticas como espacios de reflexión, diálogo y encuentro entre distintas disciplinas artísticas.

“Franz Kafka (…) así, hasta el infinito” reúne obras de artistas que, desde planteamientos diversos, reinterpretan la herencia literaria y conceptual del escritor praguense, construyendo una experiencia expositiva que invita a la reflexión sobre la condición humana, la incertidumbre, la transformación y los desafíos del mundo contemporáneo.

La muestra estará en las salas Pedro González y Tarquis-Robayna del Museo Municipal de Bellas Artes y permanecerá abierta al público hasta el 26 de julio de 2026. [Ayto. Santa Cruz de Tenerife]

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Esta acción se plantea como actividad complementaria de la exposición titulada ‘Grabadores por la Paz’ que reúne la obra de unos 60 creadores y creadoras de distintas procedencias aglutinados bajo la voluntad de la grabadora canario-palestina Fátima Suleimán Afonso.

March, que crea obras y proyectos que cruzan formatos y lenguajes que se materializan en instalaciones, publicaciones, acciones y propuestas participativas, suele propiciar espacios de encuentro y de pensamiento, situando al espectador en el centro del diálogo. En esta acción performativa se pregunta qué le sucede al cuerpo cuando estalla una guerra.

“En todo conflicto bélico, el cuerpo es el primer territorio que se ocupa, se transforma y se destruye; es lo que está en riesgo”, señala la artista.

En su taller ha explorado esa relación profunda entre cuerpo y guerra, a través de la creación de una publicación artística colectiva textil en la que cada participante elaborado una ‘página’. “El reto ha consistido en evitar los eslóganes o las declaraciones ideológicas y, en su lugar, elaborar una publicación de carácter reflexivo”, agrega. El proceso culmina ahora con la presentación de la publicación resultante contemplada en forma de acción performativa.

March, cuya obra indaga en el cuerpo, la biografía y la crítica social desde lo cotidiano, y con una combinación singular de humor, sensibilidad y pensamiento crítico, teje en su trabajo conexiones entre lo físico, lo simbólico y lo sensible, proponiendo espacios donde el arte no solo se contempla, sino que se piensa, se siente y se discute.

Hasta el próximo día 3 de julio podrá contemplarse la mencionada exposición ‘Grabadores por la Paz’ en la sala ubicada en el número 8 de la calle Colón del barrio de Vegueta. La muestra puede ser visitada de lunes a viernes, de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas. Asimismo, el Centro de Artes Plásticas ha impulsado una visita guiada a la muestra ‘Grabadores por la Paz’ que tendrá lugar el día 25 de junio, a las 19:30 horas.

Más información: Paco Medina 639 99 46 83 www.grancanariacultura.com/noticias [Cabildo de Gran Canaria]

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