El director insular de Cultura del Cabildo de Tenerife, Conrado Álvarez; el director artístico de TEA, Sergio Rubira; los comisarios Isidro Hernández y Vanessa Rosa Serafín; y Paloma Tudela, responsable del departamento de Educación de TEA; dieron a conocer hoy (jueves 5) los detalles de estas dos nuevas propuestas expositivas. Álvarez recurrió a la mitología griega, a las Moiras, encargadas de tejer el destino de los seres humanos, y al hilo que Ariadna entregó a Teseo para salir del laberinto del Minotauro, dos relatos que, en sus palabras, “nos ofrecen una hermosa metáfora que hoy habla de la existencia, especialmente en este espacio: el hilo como representación del tiempo o del destino, de la memoria y de nuestra capacidad para encontrar, o reencontrar, un camino ya hecho o abierto”.

Sobre la primera de las muestras, el director insular de Cultura señaló que Maud–Óscar “se acerca a esa relación personal y artística entre ambos, dos personalidades cuyos destinos se encontraron casi por un hilo en París”. Y de Pegar la hebra destacó que “tiene que ver con esa idea del hilo conductor, con el oficio ancestral de bordar y de coser, y el hilo se convierte en instrumento de reflexión. Ahí reside el vínculo más profundo entre ambas exposiciones. Crear es también tejer relaciones, es recuperar memoria y es construir nuevas posibilidades a partir de los hilos que recibimos de otros y que vamos a dejar a otros”.

Por su parte, Sergio Rubira recordó que en el Gabinete está ubicado de forma permanente Óscar Domínguez. “Esta es la segunda exposición de este gabinete, que ahora se ha convertido en un gabinete de las maravillas, sobre todo al incluir estas piezas joyas: primero las que realizaron los dos artistas en colaboración y luego las que Maud ya firma de forma autónoma, joyas maravillosas que remiten y contienen la propia historia del arte”. El director artístico de TEA apuntó además que “este tipo de exposiciones llevan a una investigación más profunda sobre los fondos del museo, permitiendo mostrar obras y documentos que permanecían en los almacenes. Es una exposición que se multiplica, como una puesta en abismo de la relación entre ambos”.

Sobre Pegar la hebra, Rubira explicó que “si antes en el MiniTEA se trabajaba con la colección del museo, en esta nueva etapa hemos empezado a colaborar con otros agentes vinculados a la cultura y a la educación de una forma mucho más directa”. Detalló que “el textil, como los esmaltes o las joyas, se han revalorizado para la historia del arte y que aquí adquieren una nueva presencia. En la

Colección tenemos muy buenos ejemplos de arte textil”. “Queremos convertir este espacio en un lugar de encuentro, en un lugar en el que parar y detenernos, porque el textil, lo mismo que el esmalte, requiere otro tipo de tiempos, en una época de aceleración constante. Ese momento de pausa y de encuentro hace que este espacio no solo sea un lugar donde exponer, sino también una sala de costura en la que los ciudadanos y las ciudadanas puedan venir a pasar el tiempo, a perderlo incluso, algo que en la sociedad productivista en la que vivimos es complicado de entender”, agregó.

La comisaria de la Maud-Óscar, Vanessa Rosa Serafín, apuntó que “se trata de una exposición que pretende poner en valor la figura de Maud Bonneaud en los primeros pasos de su trayectoria como esmaltadora en los que también colaboró con Domínguez. Más tarde desarrollaría su propia trayectoria realizando joyas de artista, y a partir de los años sesenta, con la elaboración de esmaltes de mayores dimensiones. ‘Maud, domadora de esmaltes’, la llama el poeta Pedro García Cabrera en alguno de sus textos”.

El también comisario Isidro Hernández afirmó que “esta muestra de Gabinete aborda unos años decisivos en la vida de Maud Bonneaud y Óscar Domínguez, concretamente entre 1943 y 1950. La presencia de Maud vendría a poner orden en la vida desordenada y libertina de Óscar, y el pintor despertaría, a su vez, el instinto creativo de la joven simpatizante del grupo surrealista. Esta exposición presenta, además, un conjunto de obras procedentes de la colección del museo, y cuenta con la colaboración de varias colecciones particulares y de la galería madrileña Leandro Navarro”.

Paloma Tudela, responsable del departamento de Educación de TEA, comentó algunas de las cuestiones centrales planteadas por el nuevo proyecto del Espacio MiniTEA, Pegar la hebra. En él se reúne una selección de obras de seis artistas canarias o vinculadas al archipiélago así como una obra del artista Juan de la Cruz, perteneciente a la Colección del museo, para, precisamente, invitar al público a observar y conversar a partir de la costura y el bordado. “Temas amplios como la protección del medio ambiente y la vinculación del ser humano con el territorio y su huella sobre él, pero también otros más íntimos y cotidianos, como la memoria familiar, el concepto de hogar o el papel de las mujeres en este, son los propuestos para que los visitantes de MiniTEA se detengan a pegar la hebra en este espacio de arte contemporáneo”, concluyó.

Maud–Óscar

Maud–Óscar, exposición dedicada a Maud Bonneaud y a su vida junto a Óscar Domínguez y comisariada por Isidro Hernández y Vanessa Rosa Serafín, reúne medio centenar de piezas, entre obras, publicaciones y documentos, de Maud Bonneaud, Óscar Domínguez y otros artistas como Man Ray, Vicki Penfold, Emilio Grau Sala, Apel·les Fenosa, Gjon Mili e Izis. La muestra podrá visitarse de manera gratuita hasta el 13 de junio de 2027. Sus piezas proceden de la Colección de TEA así como de diferentes colecciones particulares; una de ellas, Femme couchée (1950), de Óscar Domínguez, pertenece a una colección particular de Suiza y se presenta con la cortesía de la Galería Leandro Navarro. Se incluyen además reproducciones de fotografías inéditas del Museo de Bellas Artes de Olomouc.

Pegar la hebra

Pegar la hebra reúne dieciséis piezas de media docena de artistas canarias o residentes en el archipiélago (Julia M. Martín, Davi Kabaro, Ohiane de Felipe, Cristina Ortega, Verónica Silva y Adassa Santana) y una obra de la Colección de TEA del artista Juan de la Cruz. Generadas a partir de un hilo, de una hebra, las obras utilizan la costura y el bordado para reflexionar sobre cuestiones

contemporáneas como el cuidado del medio ambiente, la cuestión de género o la transmisión intergeneracional. En la sala se habilitarán espacios de costura para que los visitantes practiquen

el bordado. La exposición, dirigida al público general y a las familias, y también a los centros escolares que reserven plaza en El arte de aprender, podrá visitarse hasta el 30 de mayo de 2027.

Maud–Óscar

Maud Bonneaud (Limoges, 1921 – Madrid, 1991) y Óscar Domínguez (Tenerife, 1906 – París, 1957) se encuentran por primera vez en la primavera de 1943, en plena Ocupación, presentados por la modelo y marchante Dina Vierny, en el café Le Select de París. Es el año en el que Óscar Domínguez presenta en la Galerie Louis Carré su primera exposición individual en la capital francesa. Estas dos personalidades de una clara pulsión creativa acabarían cruzando sus vidas hasta finales de esa misma década. La pareja se instala en el taller del pintor, en el número 23 de la rue Campagne-Première. El 11 de marzo de 1948 contraen matrimonio civil en el Ayuntamiento de París.

La presencia de Maud vendría a poner orden en la vida desordenada y libertina de Óscar, y el pintor despertaría, a su vez, el instinto creativo de la joven simpatizante del grupo surrealista. Durante los años que pasan juntos se afianza su amistad con Pablo Picasso. También con el pintor italiano Renato Birolli con el que mantienen una amplia correspondencia. Entre 1946 y 1949 se suceden los viajes a la antigua Checoslovaquia para participar en varias exposiciones, en su mayor parte de signo político; la más importante, El arte de la España Republicana. Artistas españoles de la Escuela de París, celebrada en enero de 1946 en la Sala Mánes de Praga. La pareja viajaría a Olomouc en la navidad de 1947, donde Domínguez expone de forma individual con gran éxito y son acogidos calurosamente entre los artistas y escritores de la localidad checa, como lo atestiguan varias fotografías conservadas por el escultor checo Jara Solç.

Maud Bonneaud se convierte en una figura clave en la vida cotidiana de Óscar Domínguez, pero también en los motivos iconográficos que acompañarían a su obra a partir de entonces. En sus pinturas y dibujos asistimos a un desfile de figuras femeninas de largo cabello color azabache que saltan a la comba, juegan a subir y bajar escaleras portando una barita, o se muestran montando en bicicleta. Todas ellas parecen, de algún modo, aludir a Maud.

A la manera de un juego de experimentación alquímico, juntos, Maud y Óscar, realizan las primeras figuras esmaltadas en el pequeño horno que el pintor poseía en su taller de Montparnasse, una labor en la que ella insistiría más tarde, hasta el punto de desarrollar una amplia y reconocida trayectoria como esmaltadora en las décadas posteriores –“domadora de esmaltes”, la llamaría Pedro García Cabrera– una vez que, en compañía de Eduardo Westerdahl, se traslada a Canarias, donde participaría activamente en el contexto cultural de las Islas y donde su presencia marcaría, a la postre, a toda una generación de artistas e intelectuales y escritores. (Texto de los comisarios, Isidro Hernández y Vanessa Rosa Serafín)

Pegar la hebra

El nuevo proyecto del Espacio MiniTEA reúne las obras de media docena de artistas canarias o residentes en el archipiélago y también incluye una obra de la Colección de TEA del artista Juan de la Cruz. Las dieciséis piezas comparten el nexo de haber sido generadas a partir de un hilo, de una hebra, utilizando procedimientos diversos pero que vienen a demostrar la capacidad de lo textil para situarse a la par de otros procedimientos artísticos. Vinculadas históricamente a los conceptos de destreza manual y artesanía, así como a lo utilitario, la costura y el bordado han sido las técnicas

elegidas por las autoras para poner sobre la mesa y reflexionar sobre cuestiones tan contemporáneas como el cuidado del medio ambiente, la cuestión de género, la importancia de la transmisión intergeneracional, el valor del trabajo manual, el concepto de hogar y de familia o el uso contemporáneo del tiempo. Todos asuntos de plena actualidad y especialmente adecuados para ser abordados con todo tipo de público, teniendo en cuenta además la perspectiva educativa desde la que todas las cuestiones se exponen en el Espacio MiniTEA.

En la propia sala de exposiciones se habilitarán unos espacios de costura, para que los visitantes puedan detenerse a practicar el bordado. Además de para el público en general y las familias en particular, la exposición y sus actividades vinculadas están dentro de la programación para escolares de El arte de aprender, para la cual los centros escolares pueden reservar plaza. [Cabildo de Tenerife]

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Mestura: nueve artistas y distintas miradas sobre la moda

Una hora después, a las 19.00 horas, la Iglesia Hospitalaria de San Pedro Mártir de Verona acogerá la inauguración de Mestura, una exposición del Colectivo Brezo que reúne las obras de nueve artistas: Paloma Alonso, Mayte Martínez, Dulce Arrebut, Cati González, Elisa Varela, Ana María Monroy, Mirella Rey, Félix Noda y Gorgonio Díaz. La muestra toma como referencia el término canario mestura, asociado a la mezcla de elementos e ingredientes, para plantear una reflexión artística sobre la moda como expresión de la cultura y de los cambios sociales. A través de la pintura, el collage y las técnicas mixtas, los participantes combinan tejidos, texturas, formas y diferentes lenguajes visuales para abordar cuestiones relacionadas con la identidad, la memoria, el paso del tiempo y la transformación de los entornos urbanos. La moda sirve como punto de partida para explorar las costumbres, las tendencias estéticas y las distintas maneras de expresar la identidad individual y colectiva. El Colectivo Brezo inició su trayectoria en los años noventa, en el taller de Marta Mariño, y desde entonces ha desarrollado numerosos proyectos expositivos, entre ellos Gastronomía, El agua, La luz, Inspiraciones de África y Litoral. Su trabajo se caracteriza por reunir distintas sensibilidades artísticas alrededor de una temática común. Mestura podrá visitarse hasta el 23 de noviembre, de martes a viernes, de 11.00 a 13.30 y de 18.00 a 20.30 horas, y los sábados, de 11.00 a 13.30 horas.

Dos propuestas culturales en el casco histórico de Telde

Con estas inauguraciones, la Concejalía de Cultura y Gestel ofrecen a la ciudadanía la posibilidad de conocer dos exposiciones de características diferentes en una misma tarde, con un recorrido que comenzará en las Casas Consistoriales y continuará en la Iglesia Hospitalaria de San Pedro Mártir. El Ayuntamiento invita a vecinos, vecinas y visitantes a asistir a las aperturas y descubrir el trabajo de Peter Faalstich y de los nueve integrantes del Colectivo Brezo, cuyas obras permanecerán expuestas durante las próximas semanas en ambos espacios culturales de San Juan. [Ayto. Telde]

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La presentación de los trabajos artísticos tendrá lugar el día 29 de octubre de 2026, a las 17:30 horas, y contará con la participación de Andrea Farah Gaeta, Elena Marrero, Néstor Cano y Asiria Álvarez. La iniciativa cuenta con la colaboración de la Concejalía de Igualdad entre Hombres y Mujeres del Ayuntamiento de Gáldar.

El proyecto parte de la obra de Antonio Padrón como punto de encuentro para que las participantes puedan reconocerse en su imaginario, cuestionarlo y trasladarlo al presente desde sus propias vivencias. A través de un proceso de creación colectiva, la propuesta establece un diálogo entre las representaciones de la ruralidad presentes en la obra del pintor y las realidades de las mujeres que habitan hoy estos territorios.

La imagen, el objeto, la fotografía y el collage se convierten en herramientas fundamentales para construir nuevas representaciones. El resultado combina dos tiempos y dos miradas en una misma composición: la mitad de la imagen corresponde a una fotografía contemporánea y la otra mitad a una obra de Padrón. De este modo, el universo pictórico del artista se encuentra con los cuerpos, las experiencias y las identidades de las mujeres actuales, generando imágenes que revisan la manera de representar la ruralidad canaria.

Uno de los aspectos centrales del proceso es la participación directa de mujeres procedentes del ámbito rural contemporáneo, que aportan no solo su propia imagen, sino también objetos, prendas, animales y otros elementos de su vida cotidiana. Estos materiales se incorporan a la dirección artística de los trabajos, reforzando el vínculo entre las imágenes creadas y las experiencias reales de sus protagonistas.

Esta forma de trabajar se aleja de la recreación folclórica y del artificio escenográfico para situar a las propias participantes en el centro de la propuesta. La ruralidad no se presenta como una imagen construida desde fuera, sino como una realidad viva que se expresa a través de quienes la habitan, sus historias y sus formas de relacionarse con el territorio.

‘A medias con Padrón. Dos fotos, un cuerpo’ propone así un encuentro entre el legado artístico de Antonio Padrón y las mujeres de hoy, abriendo nuevas posibilidades de interpretación de su obra y planteando una reflexión sobre la identidad, la memoria y las representaciones contemporáneas del mundo rural.

La colaboración de la Concejalía de Igualdad entre Hombres y Mujeres del Ayuntamiento de Gáldar se enmarca en el impulso de iniciativas culturales que contribuyen a visibilizar las experiencias de las mujeres y a generar espacios de reflexión sobre su presencia y representación en la sociedad actual. [Cultura Cabildo Gran Canaria]

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Casi todos los proyectos recibirán 7.000 euros, el máximo establecido en las bases, por lo que la cuantía total de esta subvención se sitúa en los 55.250 euros destinados a impulsar, promocionar o difundir la creación artística en disciplinas como pintura, escultura, dibujo, grabado, fotografía, arte digital, instalación, y otras prácticas visuales.

La resolución está disponible para su consulta en el tablón de anuncios de la Consejería de Universidades, Ciencia e Innovación y Cultura del Gobierno de Canarias. También está disponible en el apartado de convocatorias de la web del ICDC, entidad pública colaboradora de este proceso. El plazo de justificación de estas subvenciones está abierto hasta el 15 de noviembre, trámite que debe realizarse a través de la sede electrónica.

La selección de los ocho proyectos -de un total de 17 presentados- ha estado a cargo de una comisión de valoración que ha tenido en cuenta la relevancia artística del evento, su coherencia conceptual y formal, su aportación al ámbito de las artes plásticas y visuales, así como su capacidad de generar innovación y reflejar tendencias contemporáneas. [ICDCultural]

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El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria presenta la quinta edición del proyecto expositivo «Biotopías», una muestra sobre arte y ecología comisariada por PSJM, equipo de creación, teoría y gestión formado por Cynthia Viera y Pablo San José, que visibiliza la obra de destacados artistas del ámbito internacional, nacional y regional que sobresalen por su creación comprometida con el medioambiente.

Desde el 29 de octubre hasta el 29 de noviembre, el parque Doramas se transformará en un espacio de reflexión sobre la biodiversidad, la sostenibilidad y las relaciones entre los seres humanos y el entorno natural con las obras de la brasileña Rivane Neuenschwander, el dúo noruego LOCUS, la valenciana Irene Grau y la grancanaria Cristina Millares.

La artista Rivane Neuenschwander presenta, en colaboración con Cao Guimarães, el vídeo «Miércoles de ceniza/Epílogo» (2006), una obra en la que un grupo de hormigas transporta fragmentos de papel de colores que evocan el confeti del Carnaval brasileño. La pieza establece un diálogo entre los procesos naturales y las prácticas culturales y propone una mirada sobre fenómenos cotidianos que adquieren nuevos significados cuando se observan con atención. La trayectoria de Neuenschwander, referente del conceptualismo brasileño, está representada en colecciones internacionales como las de la Tate, el Centre Pompidou, el MACBA, el Guggenheim y el MoMA.

Por su parte, Irene Grau llevará al Doramas «ø», una intervención específica que toma los árboles del parque como punto de partida para reflexionar sobre la dimensión colectiva del paisaje. La artista mide sus troncos a una altura de 150 centímetros mediante cable de cobre o dorado, una acción que genera un registro fotográfico y culmina en una pieza escultórica suspendida sobre el estanque. Al reunir las medidas individuales, la obra hace visible el valor conjunto de la masa arbórea y plantea una reflexión sobre la relación entre la representación artística y el entorno natural.

El dúo noruego LOCUS, formado por Thale Blix Fastvold y Tanja Thorjussen, desarrolla una práctica artística vinculada al ecofeminismo, la colaboración y el cuidado de los ecosistemas. Para esta edición de «Biotopías», propone «LOCUS Santuario de polinizadores Sterlitzia», una intervención que utiliza la Strelitzia reginae como refugio para la mariposa monarca. La obra se activará mediante una performance el próximo jueves día 29 y dará continuidad a una iniciativa iniciada en 2018, con la que las artistas buscan sensibilizar sobre las relaciones entre especies y las amenazas que afectan a la biodiversidad, entre ellas el uso de pesticidas, la agricultura industrial y el cambio climático.

La representación canaria en esta nueva edición corre a cargo de Cristina Millares, que presenta «Millaránigos», un conjunto de tres esculturas exentas inspiradas en los recipientes cerámicos de las poblaciones aborígenes canarias. Elaboradas con rejilla natural, cuerda y fibra de platanera, las piezas reinterpretan estas formas tradicionales mediante estructuras blandas, flexibles y orgánicas. Al conectarse entre sí, las esculturas conforman un cuerpo continuo que invita a reflexionar sobre los vínculos comunitarios y los gestos esenciales de cuidado.

Arte, sostenibilidad y participación ciudadana

«Biotopías» sitúa los valores ecológicos en el centro de la creación artística y plantea nuevas formas de acercar el arte contemporáneo a la ciudadanía. Según señalan sus comisarios, Cynthia Viera y Pablo San José, “expresa poéticamente respuestas estéticas a la situación de urgencia del planeta”. El proyecto busca así contribuir a la concienciación ambiental a través de la creatividad, el comportamiento ético y la justicia ambiental utilizando el arte como herramienta para fomentar una relación más consciente y responsable con el entorno.

La propuesta amplía su recorrido más allá del parque mediante SaladeArteSocial.COM, plataforma digital que albergará los contenidos y desarrollos de las obras. A través de códigos QR incorporados a cartelas sostenibles distribuidas por el recinto, el público podrá acceder a esta museografía digital y profundizar en las propuestas artísticas. [promocionlaspalmas.com]

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El Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, a través del Organismo Autónomo de Cultura, presentará, mañana, a las 12:30 horas, el catálogo de la exposición “Medín Martín. Huellas. 40 años de escultura (1986-2026)”. Además, se pondrá en marcha la última visita guiada para acercar al público los contenidos y las claves de esta retrospectiva, que reúne cerca de medio centenar de obras del escultor en el Museo Municipal de Bellas Artes.

La muestra, que conmemora el cuarenta aniversario de la primera exposición individual del artista, celebrada en 1986 en la Ermita de San Miguel de La Laguna, ofrece un recorrido por cuatro décadas de investigación, experimentación y evolución creativa. A través de quince series desarrolladas entre 1986 y 2026, el visitante puede descubrir las distintas etapas de una trayectoria marcada por la exploración de las formas, los materiales y la relación entre la naturaleza, la memoria y la condición humana.

El catálogo nace como complemento documental de la exposición y como una herramienta para profundizar en el universo creativo de Medín Martín, reuniendo la perspectiva global de su trayectoria y poniendo en valor la evolución de su lenguaje escultórico. La publicación permitirá conservar y difundir el legado de una producción artística que forma parte de la historia reciente de la escultura en Canarias.

La exposición Medín Martín. Huellas. 40 años de escultura (1986-2026) se distribuye entre las salas Pedro González y Tarquis-Robayna del Museo Municipal de Bellas Artes y reúne obras representativas de las distintas etapas del artista. El itinerario abarca desde series como De lo Humano, Signos de la memoria e Ídolos y amuletos hasta Huella, su trabajo más reciente.

La muestra refleja la evolución de un lenguaje que transita entre la figuración y la abstracción, combinando formas orgánicas y geométricas. La madera, principal seña de identidad del escultor, comparte protagonismo con materiales como el barro, el bronce, la piedra y la cerámica, además de otros recursos contemporáneos que evidencian su constante búsqueda de nuevas posibilidades expresivas.

El concepto de la huella actúa como hilo conductor de la retrospectiva, entendida como el rastro que dejan el tiempo, la memoria y la experiencia humana. Esta idea permite establecer un diálogo entre las primeras creaciones de Medín Martín y sus obras más recientes, mostrando la continuidad de sus preocupaciones artísticas y conceptuales a lo largo de cuarenta años. [Ayto. Santa Cruz de Tenerife]

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Valverde, que reside en la capital grancanaria desde 2008, propone un espacio donde imágenes, palabras y silencios se encuentran para transformarse. A través del collage, la poesía visual, el dibujo y la pintura, su muestra individual invita a detener la mirada y recorrer un territorio abierto, donde los fragmentos cotidianos adquieren nuevas conexiones. Más que ofrecer respuestas, cada obra abre un diálogo con quien la observa. En ese tránsito entre mirar y leer, el sentido permanece en movimiento y la experiencia de cada visitante completa la obra.

La artista, que inició su trayectoria artística en Madrid donde colaboró en proyectos vinculados al teatro y la escenografía, experiencias que despertaron su interés por la construcción espacial y narrativa de la imagen, se ha adentrado también en el ámbito del fanzine y la autoedición como espacios de experimentación y libertad creativa. De manera paralela, trabajó de forma cercana con pacientes con problemas de salud mental y, actualmente, ejerce como docente a través de diversas disciplinas artísticas. Esta experiencia le ha permitido desarrollar una comprensión profunda de los procesos emocionales y mentales, lo que ha influido de manera significativa en su enfoque artístico.

Actualmente, desarrolla su trabajo en CeroFanzine, espacio creativo donde participa y colabora en el desarrollo de diversos proyectos artísticos, tanto individuales como colectivos, como ‘Ceropoéticas, Muestra sobre poesía expandida’. Además, desarrolla talleres y colaboraciones formativas, explorando enfoques experimentales en el arte y desde el intercambio creativo.

En ‘Tránsito’ muestra una serie de piezas que se articulan en torno a la exploración del cuerpo, proponiendo al espectador una narrativa que parte de su propia experiencia.

Taller y visita guiada

Valverde dirigirá el día 14 de octubre, de 17:00 a 18:30 horas, en el Centro de Artes Plásticas, el taller denominado ‘De la emoción a la imagen: creación de un poema visual’, en el que propondrá una experiencia creativa a partir de la lectura de un fragmento literario como detonante emocional y empleando el recurso del collage como medio expresivo y herramienta de exploración simbólica. Además, el día 16 de octubre, a las 18:00 horas, la creadora cursará una visita guiada abierta al público en la avanzará las claves de su obra plástica.

Obras que abarcan técnicas como el collage y el dibujo sobre papel con distintos formatos y tamaños, además de objetos, artefactos y libros de artista, en los que Valverde explora, desde la poesía visual y expandida, la intersección entre el pensamiento, el lenguaje y la imagen del cuerpo, prestando especial atención a lo que se genera en este espacio de encuentro.

“Mi práctica artística explora la relación entre imagen, objeto y memoria, y cómo estos elementos dialogan con la experiencia emocional y perceptiva. Me interesa especialmente el momento en que una imagen o un objeto pierde su contexto original y, al desplazarse, adquiere nuevas posibilidades de significado. A través del collage, la pintura, el dibujo y la poesía visual, construyo espacios donde el sentido permanece abierto y en constante transformación”, sostiene Valverde.

“Mi intención es invitar a la observación y crear un diálogo fluido entre la obra y el espectador, sugerir un lugar poético desde el cual reconstruir otros significados e interpretaciones. En las obras que presento para esta exposición, predominan como técnicas, el collage y el dibujo, sobre papel, materiales como imágenes fotográficas extraídas de revistas, así como objetos encontrados o industriales. Trabajar con estos elementos desde la poesía, me permite vincular diferentes significados, bien desde la metáfora reinventando el lenguaje”, concluye la artista maña. [Cabildo de Gran Canaria]

La entrada Laura Valverde inaugura en Gran Canaria la exposición ‘Tránsito’ que explora imagen, objeto y memoria se publicó primero en El Alisio - Noticias de las Islas Canarias.

El acto inaugural, que es de entrada libre, comenzará a las 12:00 horas con la performance Fortunatae, a cargo de Javier Estupiñán, seguida a las 12:30 horas de la pieza Antes de que el susurro desaparezca, de Oumaima Manchit Laroussi.

La exposición, que podrá visitarse de manera gratuita hasta el 24 de enero de 2027, recorre distintos momentos y geografías relacionados por la expansión colonial europea. Europa, África, el Caribe y América Latina aparecen conectados a través de palabras, imágenes y sistemas de clasificación que han circulado durante siglos, aunque sus usos y significados hayan cambiado. Desde esta perspectiva, Canarias aparece no como una periferia de estas historias, sino como uno de los primeros laboratorios de la modernidad colonial y como un territorio históricamente entrelazado con África, Europa, el Caribe y América Latina.

En lugar de seguir un relato cronológico, la muestra establece asociaciones entre materiales históricos y obras contemporáneas. Mientras seamos salvajes no entiende lo salvaje o lo bárbaro como identidades naturales ni permanentes. Se pregunta por los procesos históricos mediante los cuales determinadas poblaciones fueron descritas como primitivas, atrasadas, irracionales o próximas a la naturaleza, mientras otras sociedades se atribuían la autoridad para definir qué significaban la civilización, el progreso o la cultura. También atiende a la manera en que esas imágenes han sido discutidas, transformadas o devueltas por quienes fueron situados al otro lado de la frontera.

Artistas presentes en la exposición

Sergio Acosta, Eileen Agar, Tarsila do Amaral, Diana Anselmo, Jesús Arencibia, Otto Auer, Colectivo Ayllú, Ernesto Baena Jover, Sammy Baloji, Yto Barrada, David Baute, Tiago Carneiro da Cunha, Roger Casement, Teresa Correa, Minerva Cuevas, Luis Diego Cuscoy, Raven Chacon, Ali Cherri, Maya Deren, Tahíche Díaz, Dias & Riedweg, Alfred Diston, Lucía Dorta, Margaret D’Este, Patricia Esquivias, Shabely Estévez, Javier Estupiñán, Álvaro Fariña, Coco Fusco, Sandra Gamarra, Tony Gallardo, Guillermo Gómez-Peña, Jorge González, Pedro de Guezala, Philippe Haas, Paula Heredia, Martin Herzberg, Susan Hiller, Héctor Hyppolite, Mrs. R. M. King, Abdoulaye Konaté, Wifredo Lam, Richard Leacock, Lecuona y Hernández, Lehnert & Landrock, Talles Lopes, Rogelio López Cuenca, Miró Mainou, César Manrique, Néstor Martín-Fernández de la Torre, Claudia Martínez Garay, Carla Marzán, Ana Mendieta, Jane Millares, Manolo Millares, Kent Monkman, Felo Monzón, Manuel Montes, María Belén Morales, Carlos Motta, Nicolás Müller, José Otero, Eliazar Ortiz, Daniela Ortiz, Alejandro Ossuna Saviñón, Lena Peñate, José Antonio Pérez Cruz, La Chola Poblete, Man Ray, Rosângela Rennó, José Alejandro Restrepo, Gumersindo Robayna, Rosario Miranda, Miguel Rubio Tapia, José Ruiz, Miriam Inez da Silva, Olivia Stone, Lía Tavío, Colectivo Tizintizwa, Leonardo Torriani y Diego Vites.

Canarias y la formación del mundo colonial

Canarias constituye uno de los puntos de partida del proyecto. La incorporación del archipiélago a las coronas europeas formó parte de los primeros procesos de expansión colonial moderna. La conquista, la extensión del cristianismo, la apropiación del territorio y la explotación de los cuerpos que lo habitaban permiten relacionar la historia de las islas con transformaciones que posteriormente adquirirían una dimensión mucho mayor en el África continental, América y el Caribe.

Las economías de plantación, los sistemas de control territorial y las formas de explotación y producción orientadas a la exportación ensayadas tempranamente en las islas permiten asimismo situar Canarias dentro de la formación de un mundo colonial que se expandió por el Atlántico.

Esta perspectiva permite también reinscribir Canarias en un campo afroatlántico, recuperando sus profundas conexiones históricas con el norte de África y el origen amazigh de sus primeros habitantes conocidos, junto a las posteriores rutas coloniales que enlazaron las islas con el Caribe y América Latina.

La exposición no equipara experiencias históricas distintas, sino que observa las relaciones, las continuidades y también las diferencias entre procesos de conquista, explotación y representación desarrollados en distintos territorios.

El pensamiento del antropólogo canario Fernando Estévez proporciona una de las claves de este recorrido. Sus investigaciones analizaron la construcción histórica de dos figuras fundamentales en los relatos sobre la identidad insular: el guanche y el mago. El guanche, el indígena canario, pasó de ser representado como salvaje a convertirse progresivamente en un antepasado idealizado. El mago, nombre dado históricamente al trabajador del campo en las islas, ocupó el escalón más bajo del orden social, a pesar de ser incorporado a las representaciones folclóricas idealizadas de la cultura popular. En ambos casos, unas imágenes que acabaron pareciendo naturales ocultaron el proceso histórico que las había producido.

La exposición cuestiona asimismo la idea de la “extinción” guanche como un relato cerrado. Frente a las narrativas de desaparición, atiende a continuidades fragmentadas, encarnadas y transformadas -en las prácticas materiales y religiosas, los imaginarios rurales, los cuerpos, los lenguajes y las relaciones con el territorio- que permiten pensar aquello presentado históricamente como ausencia también como una presencia reprimida, reducida, desplazada o reconfigurada.

Estas continuidades no se entienden como supervivencias puras o inalteradas, sino como procesos dinámicos y a menudo discutidos.

Desde este punto de partida, Mientras seamos salvajes recoge distintas tradiciones de pensamiento que han cuestionado la pretendida universalidad de la civilización occidental. No las convierte en una explicación única, sino que las utiliza para atender a los conocimientos y las formas de vida que fueron calificadas como atrasadas, irracionales, primitivas o bárbaras, y para preguntarse qué intereses había detrás de esa clasificación.

Cinco secciones relacionadas entre sí

La primera sección está dedicada a las imágenes del indígena y de la conquista. Reúne representaciones realizadas desde los primeros contactos coloniales hasta la actualidad para observar cómo diferentes culturas fueron descritas desde la mirada europea.

Junto a grabados, fotografías y documentos históricos, varias obras contemporáneas revisan esas imágenes, modifican sus contextos o introducen otros puntos de vista. La antropofagia aparece dentro de este recorrido como uno de los grandes estereotipos utilizados para representar al indígena americano y, más tarde, como una imagen de la que se apropiaron artistas y movimientos culturales latinoamericanos para alterar su significado.

La segunda sección de la exposición reúne obras que interrogan la frontera entre lo “salvaje” y lo “civilizado”, una distinción central en la modernidad y en los procesos coloniales. Las piezas muestran cómo esa separación se articuló a partir de oposiciones como naturaleza y cultura o animalidad y humanidad, y cómo se apoyó en dispositivos destinados a producir y disciplinar determinados cuerpos.

El lenguaje tuvo un papel fundamental en estos procesos. La capacidad de hablar, nombrar, escribir o producir conocimiento según los códigos de la cultura dominante se convirtió en un criterio para decidir quién podía ser considerado plenamente humano. Quienes quedaban fuera de esos códigos eran declarados incivilizados o próximos a la naturaleza. El positivismo científico y las instituciones sociales participaron en su domesticación y normalización. Clasificar y corregir fueron también maneras de establecer qué se consideraba normal y qué diferente.

Las obras abordan asimismo los imaginarios de animalidad y salvajismo proyectados sobre los cuerpos y las sociedades construidos como alteridad. La figura del “buen salvaje” condensa bien esta ambivalencia: quienes eran concebidos como próximos a la naturaleza podían, al mismo tiempo, ser educados e incorporados al orden civilizado.

La tercera sección se ocupa de prácticas y saberes que han circulado fuera de los espacios legitimados por la cultura académica y científica. En ella conviven devociones populares, apropiaciones de imágenes religiosas y tradiciones artesanales con formas de transmisión procedentes de contextos diversos. Un tejido, un calado, un bordado o una imagen popular no aparecen como restos inmóviles del pasado. Son formas de conocimiento en sí mismas, no meros testimonios de una tradición, que se transforman cuando circulan y que posibilitan reconocer otros modos de producir y transmitir saber. En ocasiones, permiten también introducir cuerpos y deseos que no encajan en la imagen más convencional de la tradición.

La cuarta sección contrapone la figura idealizada del campesino con las condiciones materiales del trabajador del campo. El campesinado fue representado con frecuencia como depositario de una supuesta autenticidad ligada a la naturaleza, pero también como una población atrasada y disponible para el trabajo. Esa doble mirada convertía al campesino en un “otro” cercano: pertenecía a la sociedad y, al mismo tiempo, era colocado en sus márgenes.

Las obras reunidas recuperan los conflictos que esas imágenes podían ocultar. El extractivismo, la economía de plantación y las relaciones entre cuerpo, trabajo y territorio permiten establecer conexiones entre situaciones históricas y geográficas diferentes. El paisaje deja así de entenderse únicamente como género artístico para mostrar también las tensiones económicas y sociales que lo atraviesan.

El museo como parte de la historia

El recorrido termina interrogando al propio museo. La antropología, la arqueología, la historia, la historia del arte y las instituciones museísticas desempeñaron un papel importante en la clasificación y conservación de culturas y objetos. Sus sistemas de catalogación y exposición ayudaron también a establecer distinciones entre aquello que pertenecía a la historia, aquello que se consideraba naturaleza y aquello que podía presentarse como testimonio de una sociedad calificada como primitiva.

Los archivos y las colecciones no son únicamente instrumentos de conservación. También producen narrativas y determinan qué objetos se consideran valiosos, cómo son interpretados y desde qué posición se cuenta una historia.

Mientras seamos salvajes traslada estas preguntas al propio TEA y, de manera más amplia, a la institución museo: qué relato construye cuando selecciona una obra, quién interviene en su interpretación y cómo pueden revisarse hoy unas categorías nacidas en contextos históricos diferentes. Esta revisión no se limita a desmontar categorías heredadas. Muchas de las prácticas reunidas en la exposición plantean también otras formas de relación, conocimiento, continuidad e imaginación. El recorrido se desplaza así de la crítica hacia la posibilidad, no para recuperar un pasado supuestamente intacto, sino para preguntarse qué futuros pueden construirse más allá de las oposiciones entre civilización y barbarie, cultura y naturaleza, progreso y atraso.

La exposición no pretende definir qué significa ser salvaje ni sustituir una identidad por otra. Examina quién ha tenido la capacidad de establecer la frontera entre civilización y barbarie, qué consecuencias produjo esa división y de qué manera artistas y movimientos culturales han discutido o transformado las imágenes que se les asignaron. En este sentido, aquello que históricamente ha sido presentado como una ausencia, algo desparecido o que se ha situado al margen puede revelarse también como una presencia transformada y en continua reactivación. El título no describe a un grupo concreto. Lo salvaje nunca fue una cualidad natural, depende del lugar desde el que se traza la frontera y de quién se reserva el derecho de señalar la barbarie. [Cabildo de Tenerife]

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La exposición llega en un momento especialmente significativo: será una de las últimas citas de “Un Artista y su Mes”, proyecto impulsado por TheNothingRoom para generar un espacio de encuentro entre artistas, público y territorio y que tendrá su gran cierre el próximo 7 de noviembre.

Ese día, TheNothingRoom reunirá a todos los artistas participantes en una exposición colectiva y presentará el catálogo que recoge el recorrido completo del proyecto – este proyecto contó con a Subvencion para Galerias del Cabildo de Tenerife , el Apoyo de Bureau Vallée . Una celebración final que convertirá en memoria compartida los meses de exposiciones, encuentros y propuestas que han dado forma a “Un Artista y su Mes”.

Pero antes de ese cierre, el espacio invita a descubrir el universo particular de Ángela Maglioni.

Ángela Maglioni: entrar en la trama

La obra de Ángela Maglioni se mueve entre la pintura, la gráfica y el muralismo, construyendo un lenguaje en el que lo figurativo y lo abstracto conviven y se transforman continuamente.

En sus composiciones aparecen rostros, personajes, flores, palmeras, montañas, ciudades y paisajes que se entrelazan como fragmentos de una historia mayor. El color adquiere una presencia protagonista: tonos vibrantes y colores neón crean un universo visual intenso, en el que una misma obra puede revelar diferentes imágenes dependiendo de la distancia y de la mirada.

Nada está completamente aislado. Todo forma parte de una trama.

Esta concepción conecta directamente con la relación de la artista con la naturaleza. Desde su llegada a Tenerife en 2019, el paisaje de la isla se ha convertido en una fuente fundamental de inspiración. Actualmente desarrolla su trabajo en el Histórico Jardín de Orquídeas de Puerto de la Cruz, donde observa la naturaleza como un organismo vivo, cambiante y lleno de estructuras que se repiten y se transforman.

El jardín se convierte así en una metáfora de su propia pintura: una red en permanente movimiento donde cada parte contiene algo del conjunto.

Su interés por las estructuras fractales, la naturaleza y la transformación está presente en unas obras que invitan al espectador a acercarse, alejarse y volver a mirar. La imagen cambia y la historia también.

Arte, naturaleza y conciencia

La preocupación por el medio ambiente forma parte igualmente de la práctica de Maglioni. Su trabajo se vincula al concepto de Arte Consciente, incorporando cuestiones relacionadas con la sostenibilidad y la conservación del entorno.

En su proceso creativo utiliza pigmentos orgánicos y pinturas ecológicas ZeroWaste, buscando que la reflexión sobre la naturaleza no permanezca únicamente dentro de la obra, sino que también forme parte de la manera de producirla.

Su trayectoria incluye, entre otros hitos, la participación en la Bienal de Arte de Santa Cruz de Tenerife en 2022.

En TheNothingRoom, esta propuesta encuentra un espacio de diálogo con una programación que busca acercar el arte contemporáneo al público y generar nuevas formas de encuentro entre creación, territorio y comunidad.

El último tramo de “Un Artista y su Mes”

La exposición de Ángela Maglioni no es, por tanto, una cita aislada. Es también la antesala del gran cierre de “Un Artista y su Mes”.

Durante el proyecto, TheNothingRoom ha abierto sus puertas a diferentes artistas y propuestas, construyendo progresivamente un recorrido que tendrá su culminación el 7 de noviembre. (sábado).

La jornada final reunirá a todos los artistas participantes en una exposición colectiva y estará acompañada por el lanzamiento del catálogo de “Un Artista y su Mes”, una publicación destinada a conservar y documentar el proyecto más allá de sus exposiciones.

Será un momento para volver a encontrarse con las obras, los artistas y las historias que han pasado por TheNothingRoom y para celebrar el carácter colectivo de una iniciativa que entiende el espacio expositivo como un lugar de encuentro.

DOS FECHAS PARA MARCAR EN LA AGENDA

2 DE OCTUBRE · 19:00 H

Ángela Maglioni

Inauguración de la exposición

TheNothingRoom

Calle La Hoya, 71 — 2.º

Puerto de la Cruz, Tenerife

7 DE NOVIEMBRE. 19:00 H

GRAN CIERRE DE “UN ARTISTA Y SU MES”

Presentación del catálogo + exposición colectiva con todos los artistas participantes

TheNothingRoom · Puerto de la Cruz

Dos fechas. Una exposición que abre el último capítulo y un gran encuentro que reunirá todas las voces del proyecto.

TheNothingRoom invita a mirar, descubrir y formar parte.

TheNothingRoom continúa su programación artística en Puerto de la Cruz con una nueva exposición de Ángela Maglioni, que abrirá sus puertas el próximo 2 de octubre a las 19:00 horas. [TheNothingRoom]

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Se trata de un programa de formación intensiva que incluye espacios de aprendizaje junto a un grupo de profesionales de distintas disciplinas, encuentros con artistas y agentes culturales, una ruta guiada performativa y otras actividades paralelas. El programa está orientado a apoyar a profesionales de la curaduría, a perfiles vinculados a marcos teóricos y prácticas de investigación artística, así como a artistas y agentes culturales emergentes con interés en el comisariado.

‘Otra-Escuela de Curaduría de Canarias’ es uno de los seis proyectos culturales ganadores del concurso impulsado por CCA Gran Canaria desde el año 2017 con la intención de incentivar, a través de la libre concurrencia, iniciativas innovadoras que permitan diversificar, promover y canalizar la participación de particulares o empresas en el diseño, confección y ejecución de una parte de la propuesta cultural del mencionado centro ubicado en el barrio de Ciudad Alta.

Tras la intervención de Larisa Pérez Flores que inauguró el programa, el día 23 de septiembre, a las 19:00 horas, tocará turno a Daniel H. Rey, quien ha titulado su propuesta ‘Tecaronesia: Software, hardware, y magmas a favor de nuevos imaginarios tecno-afectivos en la Macaronesia – Institute for Postnatural Studies’, para proseguir el día 25, con el concurso de Agnes Essonti Luque, que ofrece a la misma hora la propuesta titulada ‘(Another) Journey: Imágenes e historias para (otro) viaje’. El día 26, a partir de las 11:30 horas, se celebra una ruta guiada performativa que dirigirán Gara Hernández y Larisa Pérez.

Para el comisario y programador Daniel H. Rey, “la Macaronesia como estructura geográfica (Canarias, Azores, Madeira, Cabo Verde, Islas Salvajes) ya desafía lo que entendemos como estado-nación, demografía, y geología. Su nombre, con raíces griegas, alude a que es la tierra de los Bienaventurados o de los Difuntos Héroes. Esta agrupación geográfica sostiene también vínculos con África y las Américas, muchas veces invisibilizados”. Esta charla participativa y propositiva invita a pensar la tecnología no como una mera «herramienta» de nuestro tiempo, sino como un agente activo y con agencias aún por delimitar: capaz de registrar, documentar y dar testimonio de las ecologías, geopolítica y espiritualidad que configuran nuestras vidas. Desde una mirada postnatural, la charla explora cómo la infraestructura contemporánea—IA, vigilancia, cableado submarino, redes sociales, política ecológica y migración—no solo organizan la información, sino que la vida sensorial y su temporalidad desde los archipiélagos.

Por su parte, la artista e investigadora Agnes Essonti Luque, cuya práctica explora la multiplicidad de las identidades, la memoria y la pertenencia, a partir de su propia obra titulada ‘A Journey (2024)’, se referirá al proceso de creación y compartirá imágenes e historias que no se incluyeron en la selección final. Simultáneamente conectará con el viaje que realizó su padre hacia Europa en 1987 y en el que Gran Canaria se convirtió en la primera parada. Se trata de la idea inicial de su exposición Hotel del Artefacto Expoliado, en la que quería seleccionar piezas del MNA de los países por dónde había pasado su padre y en la que quería incluir un objeto de Canarias.

Las jornadas impulsadas en CCA Gran Canaria-Centro de Cultura Audiovisual están concebidas como espacios de diálogo, pensamiento crítico e intercambio de saberes y experiencia, alejándose del modelo formativo convencional basado en clases magistrales. Se articula a través de distintas sesiones de trabajo grupales y jornadas de diálogo junto a las “Voces invitadas”, profesionales que provienen de disciplinas diversas y que contribuirán a crear un conjunto heterogéneo que funcionará como guía de la Otra-Escuela de Curaduría de Canarias. También se incluye visitas a espacios y exposiciones clave de la escena cultural, así como encuentros con artistas y agentes vinculados a la curaduría.

Muchas exposiciones colectivas terminan siendo atravesadas por la misma lógica que las muestras individuales. Aunque a menudo reúnan a múltiples artistas y obras, se trata del resultado de una sola voz -la del agente del comisariado- que organiza el sentido, determina las relaciones y fija los posibles recorridos de la lectura.

Una voz colectiva parte de otra premisa, que guía la semana que dura la primera edición de la Otra-Escuela de Curaduría de Canarias. Se propone entender la curaduría desde la colectividad. La práctica colectiva es crucial en esta época en que vivimos, pues nos permite imaginar en conjunto mundos presentes y futuros más éticos, justos, sostenibles e inclusivos. [Cabildo de Gran Canaria]

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